🌨️ L Art Sert Il A Quelque Chose Les bagatelles!

Arten l'art ce dit "ars" est exprime la technique, les savoir faire mais aussi la création artistique. Un artisan maitrise un art de technique et un artiste un talent particulier qui rend apte à créer la beauté en premier lieu. L'art ne ressemble pas aux sciences.

A L'art est inutile L'œuvre d'art est un objet sensible, c'est-à-dire qu'il s'adresse à mes sens, mais contrairement aux autres objets, je ne l'utilise pas. C'est pour cela que Kant explique dans la Critique de la faculté de juger que le plaisir esthétique qui vient de la contemplation d'une œuvre d'art est un plaisir désintéressé ce n'est pas la consommation ou l'utilisation de l'œuvre d'art qui me procure du plaisir dans l'expérience esthétique. L'art se définit donc par sa fin, qui est non utilitaire. En fait, la plupart des œuvres d'art avaient une utilité au moment de leur création, mais c'est une fois que cette utilité s'est estompée qu'on peut véritablement dire que l'œuvre est une œuvre d'art. Exemple Le Tympan du Jugement Dernier de l'abbatiale de Conques avait pour but de susciter chez l'observateur la peur du Jugement et de l'Enfer, afin qu'il conforme sa vie aux préceptes de l'Église. Cela signifie donc qu'en droit, tout peut être une œuvre d'art. Ce qui définit une œuvre d'art, c'est d'abord le rapport respectueux, mis à distance, désintéressé que j'entretiens avec elle. C'est d'ailleurs ce que veut signifier Marcel Duchamp 1887-1968 quand il cherche à exposer en 1917 à New York son œuvre Fontaine, qui n'est autre qu'un urinoir renversé, c'est-à-dire l'objet le plus banal et trivial qui soit. Marcel Duchamp, Fontaine, 1917 B Juger le beau Si, en droit, tout peut être une œuvre d'art, qui décide alors qu'une œuvre est une œuvre d'art ? Quand j'estime que quelque chose est beau, quand je juge de la beauté d'une œuvre, tout le monde doit-il être d'accord avec moi ? Kant, dans la Critique de la faculté de juger, explique qu'il faut distinguer le beau par exemple, La Joconde est belle », de l'agréable par exemple, ce vin est très bon ». Ces deux phrases constituent un jugement, qui consiste à qualifier un sujet La Joconde » ou ce vin » au moyen d'un prédicat belle » ou très bon ». De plus, ces jugements sont tous les deux subjectifs même dans le cas de La Joconde, la beauté n'est pas une propriété de l'objet que je juge beau si je dissèque ce tableau, je ne trouverai jamais une propriété chimique qui serait la beauté, ce n'est donc pas un jugement objectif. Néanmoins, si nous acceptons très bien que le jugement du caractère agréable d'un objet soit particulier les goûts et les couleurs ne se discutent pas », pour le beau, nous jugeons comme si tout le monde devait être d'accord avec nous. Le jugement esthétique est donc un jugement subjectif universel, dans le sens où il est universalisable je sais que mon jugement ne va pas être partagé par tous, mais je juge comme si c'était le cas. Remarques Une même œuvre peut faire l'objet d'un jugement esthétique sur le beau ou d'un jugement sur son caractère agréable. Ainsi, si on utilise Le Printemps d'Antonio Vivaldi comme musique d'attente, on le fait pour son caractère agréable, alors que si on l'écoute pour lui-même, celui-ci fait l'objet d'un jugement esthétique. De plus, une œuvre belle peut être en même temps assez désagréable, comme le poème Une Charogne » de Charles Baudelaire 1821-1867 qui convoque des images de putréfaction et de corps mort. RepÈres Objectif/subjectif Est objectif ce qui se rapporte à l'objet de la connaissance. Un jugement objectif ne dépend pas du sujet qui l'énonce et est donc nécessairement universel. Est subjectif ce qui se rapporte au sujet de la connaissance. Un jugement subjectif devrait donc toujours dépendre du sujet qui l'énonce et être particulier, mais le jugement esthétique chez Kant est à la fois subjectif et universel. Universel/particulier Est universel ce qui vaut en tout temps et en tout lieu, c'est-à-dire ce qui ne souffre aucune exception. Est particulier ce qui appartient en propre à un individu ou à un groupe restreint d'individus. Notreatmosphère est composée à 78 % de diazote (N2), 21 % de dioxygène (O2), et les 1 % restants sont partagés par quelques autres gaz (argon, CO2, CH4 ). Mais le diazote est-il utile ? 1Dans les réussites de l’art il y a quelque chose qui surpasse à la fois la volonté de l’artiste, si attentive et si lucide qu’elle soit, et la sensibilité du spectateur, quelles que soient sa délicatesse et ses exigences. Aussi, ce serait une entreprise stérile que de chercher à définir d’abord certaines puissances de l’esprit et de montrer ensuite comment nous parvenons, en les mettant en œuvre, à obtenir les satisfactions que nous en attendons. C’est la démarche inverse que nous devons suivre. La création artistique obéit à un obscur désir elle est une aspiration vers ce qui nous manque, un vide intérieur que nous cherchons à remplir. Mais, quels que soient nos efforts, nous ne réussissons pas d’avance à le circonscrire. Le circonscrire, c’est faire émerger la forme qui, aussitôt, lui donne un contenu. C’est réaliser l’œuvre d’art. Elle seule est capable de nous révéler le désir qui était en nous en l’apaisant. Il n’en est point autrement de la vérité que cherche le savant nous ne savons ce qu’elle est que quand elle se montre et ce qui pouvait satisfaire notre pensée que quand nous l’avons trouvé. Ainsi nous ne chercherons quelle est l’origine de l’art ni dans l’histoire de l’humanité, ni dans le vouloir de l’artiste ; nous ne chercherons pas non plus quelle est la fonction particulière de la conscience dont l’art est, pour ainsi dire, l’exercice, ni quelle est son essence secrète que l’on devrait pouvoir retrouver pourtant jusque dans sa manifestation la plus humble. Nous ne poserons point à propos de l’art la question de droit. L’art est un grand fait humain. Or, si sa naissance, comme toutes les naissances, plonge dans les ténèbres, dès qu’il se montre à la lumière, il nous apporte une révélation. Et de cette révélation, nous n’aurons jamais achevé de prendre possession. L’artiste utilise des procédés, invente des techniques par lesquelles il tente de capter l’émotion dans une forme matérielle, de manière à en disposer et à la faire surgir à son gré. Mais quelle que soit l’acuité avec laquelle une méthode nous permet d’entrer en contact avec le réel et de le saisir, il y a ici un intervalle infini entre la règle appliquée et l’effet obtenu c’est dans cet intervalle même que l’art vient à éclosion. On le voit bien si on compare l’art à la science qui cherche précisément à abolir cet intervalle, à obtenir, dans l’application, des effets toujours conformes à la règle et que l’on produit à coup sûr. Au contraire, dès qu’elle s’est détachée des mains de l’artiste, son œuvre devient pour lui une réalité à la fois familière et inconnue ou bien il n’en supporte plus la vue, ou bien il la considère d’un regard aussi jeune que le spectateur qui la découvre. Ce qu’elle nous livre à ce moment-là, elle le livre à tous ; le technicien a disparu ou s’il retrouve encore d’une manière trop apparente les moyens dont il s’est servi, c’est qu’il a manqué son but. Non point qu’une sorte d’égalité soit créée alors entre les spectateurs. Celui qui a la conscience la plus ouverte, la plus fine et la plus accueillante a aussi de l’œuvre d’art l’intelligence la plus pénétrante il arrive qu’il instruise l’artiste lui-même non point seulement sur ce qu’il a fait, mais sur ce qu’il a voulu, presque à son insu. Car on ne peut juger d’un esprit sur la pensée qu’il a lui-même, mais sur les actes auxquels elle le conduit, ni sur ses desseins, mais sur leur fruit. Voici donc l’art devant nous, réduit à n’être plus pour nous qu’un pur témoignage auquel nous allons demander non point quel est son sens, mais quel sens il donne à cette réalité qu’il représente et qui par lui se trouve toujours toutes les créations de l’esprit humain l’art possède en effet une situation exceptionnelle. Si nous acceptons de le considérer dans ses sommets, il donne à la conscience une satisfaction gratuite et parfaite qui surpasse son attente et même son espérance. Il met en mouvement toutes ses puissances intérieures mais celles-ci, au lieu de s’opposer les unes aux autres, se répondent, se soutiennent et s’unifient. Il devance en nous le désir ce désir, il va l’éveiller au fond de nous-même, il le découvre et il le suscite. Mais en même temps, il l’apaise et le comble. Dans l’émotion esthétique, le désir et l’objet du désir sont donnés à la fois, ils ne cessent de se répondre dans une oscillation ininterrompue ; mais, tandis que, dans la vie de tous les jours, je ne rencontre aucun objet qui puisse égaler, semble-t-il, ma puissance de désirer, ici les rapports se trouvent tout à coup renversés. Le désirable est antérieur au désir. Et je crains qu’il n’y ait jamais en moi assez de désir pour actualiser et posséder tout ce désirable. Il y a plus, le propre du désir c’est toujours de me montrer 1’insuffisance du réel et de me porter au-delà. Mais ici tout au contraire c’est le réel que nous avons sous les yeux qui ne cesse de nourrir le désir sans que celui-ci parvienne à l’épuiser. Pour cela il n’a fallu que cette touche légère de l’activité humaine qui, en transposant le réel dans l’œuvre d’art, lui a donné tout à coup une lumière extraordinaire, un immense arrière-plan, une affinité mystérieuse avec nous. L’art prend naissance au moment où l’hiatus qui sépare le réel de notre esprit se trouve tout à coup aboli, où la contradiction entre le sujet et l’objet, entre l’aspiration et la donnée est surmontée, où une incessante communication se produit entre la conscience et la nature, et qui est telle que chacune ne cesse de fournir à l’autre, toutes deux semblant à la fois recevoir et donner. 3Le monde qui était pour moi un obstacle devient maintenant un chemin ouvert à mon esprit. Les choses cessent de m’être opposées je découvre entre elles et moi une affinité qui est l’objet d’une possession actuelle, mais qui demeure toujours aussi une promesse et une espérance. Le signe de l’émotion esthétique, c’est la joie que je ressens à voir que les choses sont en effet ce qu’elles sont. Je ne crains point qu’elles m’échappent, puisque le propre de l’art c’est de les capter et de m’en donner pour ainsi dire la disposition ; mais je n’ai jamais fini d’en disposer ; je ne crains pas non plus que leur possession s’épuise et me ferme l’avenir. Bien plus, il ne suffit pas que l’émotion esthétique ne cesse de se renouveler et de se régénérer elle-même à mesure qu’elle s’étend et s’approfondit, il faut qu’elle multiplie ces raisons que nous avons de vouloir que les choses soient précisément ce qu’elles sont. Elle nous permet de donner ainsi au temps sa véritable signification car il ne nous retire rien de ce que nous avions et s’il nous engage dans l’avenir, c’est seulement pour nous montrer la plénitude infinie d’une valeur que nous avons pourtant sous les yeux. A cet égard, la beauté dépasse à la fois la vérité et la moralité la vérité, qui, si elle me donne la joie de la connaître, ne me donne pas celle de la vouloir puisque je n’agis jamais que pour la changer, et la moralité qui réside seulement dans l’effort et le mérite et ne m’apporte jamais un objet que je puisse embrasser ni posséder. La beauté est une cime vers laquelle convergent à la fois la vérité, dès que je puis la connaître et la vouloir tout ensemble, et la moralité, dès que l’action qu’elle m’oblige à accomplir atteint un dernier point où elle suscite la contemplation et coïncide avec comprend donc bien pourquoi l’art n’est pas à proprement parler un problème proposé à notre réflexion ce qui paraît évident si l’on considère que toute réflexion sur l’art obscurcit sa nature au lieu de 1’éclairer, dissout sa fine essence et transpose sur un terrain différent où l’intelligence interroge encore le réel, la réponse même que l’art vient de lui fournir ce qu’il nous montre en effet, c’est comment l’esprit parvient à pénétrer le réel, à se le rendre présent, à lui reconnaître une signification en découvrant en lui la réalisation de ses vœux. Mais c’est la conscience de l’artiste, elle, qui est un problème vivant elle mesure la distance qui sépare ce qui lui est donné de ce qu’elle désire ; elle ignore ce qu’elle désire, puisqu’elle cherche précisément à se le représenter et, chose admirable, il suffit qu’elle le représente pour l’obtenir. C’est comme une sollicitation adressée sans cesse au réel qui tout à coup le lui livre. Ainsi, l’œuvre d’art est toujours une solution c’est cette solution que nous cherchons en elle. C’est pour la mieux comprendre que nous remontons jusqu’au problème qu’elle suppose sans oublier que la solution pour nous devance ici le problème. C’est donc en méditant sur l’art comme solution, et non point comme problème, que nous discernons sa véritable nature. Ou plutôt, c’est la solution qui nous découvre le problème. Au-delà même de nos aspirations esthétiques l’art nous montre comment, si l’esprit s’identifie toujours avec une question que nous posons sur le réel, cette question peut être satisfaite par une réponse qui nous en donne la d’abord on peut dire que le propre de l’art, c’est de nous découvrir la présence au réel. Et sans doute cette assertion peut surprendre, puisque le réel est devant nous et que l’art refuse, semble-t-il, de s’en contenter, soit qu’il cherche seulement à le reproduire, mais sur un autre plan et avec des moyens qui lui appartiennent, soit qu’il entreprenne de l’idéaliser. Cependant l’appréhension du réel n’est pas aussi simple ni aussi immédiate qu’on pourrait le penser ; et si nous comparons la manière dont il s’offre d’emblée au regard avec la représentation que l’art nous en donne, nous verrons que la vocation de l’art est précisément de nous en apporter la révélation. En effet, le réel, c’est d’abord un spectacle familier et changeant qui s’étend autour de nous, que nous retrouvons chaque jour et qui donne un point d’appui à nos pas et un but à nos mouvements, qui présente juste assez de constance pour ne point nous ôter toute sécurité et juste assez de mobilité pour réveiller en nous les puissances de la vie et les obliger à tout instant à s’exercer. Mais peut-on dire que dans ce spectacle le réel se montre à nous véritablement ? Y a-t-il en nous une attention, un intérêt, qui, en s’attachant à lui, nous en donnent une image pure ? Que lui demandons-nous sinon de fournir un chemin à notre activité et un aliment à nos besoins ? En lui-même le réel n’a encore pour nous ni valeur ni signification. Nous ne le rencontrons qu’au terme d’une action à laquelle il fournit soit un obstacle, soit un véhicule. Nous ne cessons de l’interroger mais afin de reconnaître ce qu’il recèle en lui qui peut nous servir ou nous nuire. Nous n’envisageons jamais le réel que dans son rapport, non pas seulement avec nous, mais avec notre utilité. Dès lors, en devenant pour nous un moyen, il nous dérobe pour ainsi dire son vrai visage. Il se plie à une fin qui lui est étrangère et nous ne retenons de lui que les indices qui nous permettront de l’atteindre. Dès que ces indices ont été reconnus, nous cessons en quelque sorte de le voir. Ainsi, soit qu’il ne puisse nous servir, soit que l’usage que nous en faisons devienne trop assuré, il s’enveloppe peu à peu dans les voiles de l’habitude derrière eux nous soupçonnons sa présence, mais sans être capables de la réaliser. 5L’art déchire ce voile. Il abolit tous les écrans entre le réel et nous. Il interrompt toutes ces réactions trop connues que le réel suscite en nous et qui le dissimulent. Il traverse toute l’épaisseur des représentations acquises. Il nous oblige à retrouver avec les choses un contact absolu. Il abolit en elles l’utilité, dissipe toutes les arrière-pensées par lesquelles nous les rapportons à quelque terme de comparaison situé en dehors d’elles ; il serait même plus vrai de dire, comme on le fait parfois, qu’il en fait un terme de comparaison pour tout le reste, si ce n’était par là diviser encore une pensée qu’elles doivent retenir tout entière et qui trouve dans leur contemplation un mouvement qui lui suffit. Ainsi, l’art restitue aux choses leur état de choses il nous les découvre ; il leur donne une sorte de présence pure que jusque là nous n’avions pas soupçonnée. Il nous oblige à les regarder, à les apercevoir telles que nous les verrions la première fois, si notre regard était assez pénétrant et assez lucide. Il rend au regard sa parfaite jeunesse, à l’atmosphère qui enveloppe le réel une transparence presque surnaturelle. On le voit dans 1’effort par lequel l’artiste, préoccupé d’oublier tout son passé, tout son savoir, cherche seulement à scruter le réel afin de le tenir à la disposition tout à la fois de l’œil et de la main les ressources de la technique la plus habile n’ont point d’autre fin que d’obtenir cette double coïncidence et de disparaître au moment où elle se réalise. Mais le spectacle du monde perd alors sa familiarité anonyme pour acquérir une familiarité intime et personnelle, comme les choses qui n’étaient pour nous qu’un objet d’usage dont nous nous sommes longtemps servi sans les avoir remarquées et qui, quand nous les retrouvons après les avoir perdues de vue, acquièrent tout à coup un relief vivant et mobilité des différents aspects du réel nous empêchait aussi de leur appliquer une attention assez sérieuse habitués à les voir apparaître et disparaître, nous ne posions sur elles qu’une pensée d’un moment qui s’était déjà retirée d’elles avant qu’elles fussent évanouies. L’art, par l’immobilité qu’il leur donne, ou par la possibilité qu’il nous donne de recommencer toujours un mouvement aboli, nous introduit dans cette présence constante, indépendante à la fois du temps et du besoin, qui est toujours de niveau avec un esprit présent à lui-même et qui est prête à répondre sans cesse à ses moindres sollicitations. L’art suscite donc en nous une attention si pleine et si docile qu’il nous montre comme véritablement présente une réalité qui était toujours devant nous, mais que nous n’avions jamais vue il oblige la conscience à s’en emparer, à en réaliser une perception actuelle qui fait saillie sur toutes nos perceptions habituelles toujours un peu amorties ou effacées, soit par le souvenir de celles que nous avons déjà eues et qui les recouvrent, soit par les signes de quelque événement plus lointain que nous recherchons en elles et qui nous en détournent. Le propre de l’artiste, c’est donc d’être un médiateur entre le réel et nous il suffit de songer soit au peintre de paysage, soit au peintre de portrait qui nous donnent de l’horizon le plus commun, du visage que nous croyons le mieux connaître une présentation si profonde et en même temps si inattendue, pour nous apercevoir que cette vision personnelle qu’ils nous apportent change la nôtre et nous contraint, pour ainsi dire, à découvrir, à travers les choses qu’ils n’ont rencontrées souvent qu’une fois, celles mêmes que nous n’avions peut-être jamais cette présence des choses, l’émotion esthétique ne suffit-elle pas à nous la donner sans le secours de l’art ? Pourquoi faut-il encore que l’art intervienne pour en être l’interprète ? On comprend bien que l’artiste, dès qu’il atteint une appréhension si exceptionnelle du réel, songe à la fixer de manière à nous la communiquer et par conséquent à nous permettre de la réaliser à notre tour. Mais est-ce là l’unique signification de la création artistique ? N’a-t-elle pour rôle que de capter et de transmettre cette perception attentive et désintéressée qui nous livre les choses elles-mêmes, par delà l’habitude ou l’usage ? Nul artiste ne consentirait sans doute à le dire. Car il sent bien que le propre de l’art n’est pas seulement de traduire une perception qu’il a déjà, mais encore de la rendre possible et pour ainsi dire de la produire. Il n’y a point de perception directe, engagée dans notre vie quotidienne, qui puisse affecter le caractère d’une contemplation pure elle est pour cela trop chargée de matière, en relation trop immédiate avec notre corps, avec l’espace et le temps où se déploient nos désirs, elle est trop résistante et trop fragile à la fois, trop pleine pour nous de menaces ou de promesses ; elle est mêlée à toutes les conjonctures de notre vie pratique. Elle fait partie de ce monde temporel où nous avons toujours quelque intérêt plus ou moins pressant, ou nous ne cessons d’attendre, de désirer, de craindre, de risquer, de nous défendre, et qui ne devient jamais tout à fait un spectacle pour nous. C’est cette transformation de l’univers en spectacle que l’art réalise. Il faut que ce spectacle soit inutile pour qu’il ne soit plus que contemplé. Non pas que dans cette contemplation la volonté soit absente, puisqu’au contraire nous avons affaire alors à cette volonté dépouillée qui veut, comme nous l’avons dit, que les choses soient précisément ce qu’elles sont, et non pas à cette volonté de convoitise qui pense toujours au profit qu’elle en pourra tirer. L’originalité de l’art, c’est précisément de créer ce spectacle inutile qui oblige l’esprit à se purifier de toute pensée égoïste pour appliquer aux choses une pensée qui ne voit qu’elles et qui aussitôt les fait surgir devant nous. 7De là le rôle mystérieux joué par l’imitation qui a été si discutée, autour de laquelle on voit sans cesse renaître le conflit de l’idéalisme et du réalisme, dont on ne peut pas dire qu’elle épuise tout le secret de la création artistique, mais qui nous permet cependant d’en comprendre l’essence. Et il n’y a sans doute aucun art qui n’ait recours à l’imitation, au moins dans une certaine mesure, mais sans que les arts qui paraissent fondés sur elle laissent pourtant une moindre place à l’invention que les autres. 8Peut-être n’y a-t-il point d’imitation, comme on le voit dans ses manifestations les plus spontanées et les plus irréfléchies, qui ne possède déjà un caractère esthétique. C’est qu’elle vide l’objet de sa signification pratique et ne laisse plus subsister que sa forme. Aussi comprend-on que l’on puisse tantôt être très sévère pour elle et affirmer qu’elle est toujours servile et tarit le génie créateur, et tantôt la considérer avec assez de faveur pour prétendre que c’est quand elle montre le plus de probité et de fidélité que l’art atteint lui-même la perfection la plus haute. Pourtant la vertu esthétique de l’imitation n’est pas où on la met en général elle ne réside pas dans l’emploi de certains moyens techniques qui nous permettent de réduire l’art à une activité spécialisée par laquelle nous disposons du réel avec plus ou moins de science ou d’habileté. Non point que cette activité puisse être négligée ; seulement elle ne vaut pas par elle-même mais par le rôle qu’elle est destinée à remplir. Car ce rôle, c’est de rendre possible une transposition du réel du domaine de l’utilité dans un domaine différent où l’esprit se donne des règles afin d’en faire un objet de contemplation pure. L’art réside dans cette transposition elle-même. Les règles auxquelles il s’assujettit pour la produire n’ont point, comme on le croit, de signification esthétique par elles-mêmes, mais seulement parce qu’elles assurent la possibilité de cette imitation par transposition » qui substitue à l’image de la réalité la réalité d’une image, et convertit un objet qui avait des rapports avec notre corps en un autre objet qui n’en a plus qu’avec notre esprit. C’est cette transmutation, cette transfiguration qui en donnant aux choses une sorte de présence absolue, les revêt aussitôt d’un caractère esthétique. Ce qui suffit pour expliquer trois choses d’abord pourquoi, comme on 1’a remarqué souvent, les choses qui sont dans la nature ne produisent en nous une émotion esthétique que si nous réussissons par l’imagination à en faire pour ainsi dire des tableaux, ensuite pourquoi aucune d’entre elles, contrairement à un préjugé idéaliste, ne possède de privilège esthétique, de telle sorte que la plus humble d’entre elles peut se changer en une œuvre d’art si l’imitation parvient à isoler sa représentation de tout usage servile ; enfin pourquoi l’imitation exclut elle-même toute répétition, puisqu’elle doit nous donner la réalité même de la chose dans son unité concrète et sensible et que pour l’imiter deux fois, il faut nécessairement la recréer deux fois. 9Aussi, personne n’a vu plus profondément l’essence même de l’art que Pascal dans le mot si célèbre et pourtant si cruel Quelle vanité que la peinture qui attire l’admiration par la ressemblance des choses dont on n’admire point les originaux !On ne cherchera point à la réfuter et même on lui donnera les mains, mais on montrera que si nous admirons cette ressemblance, c’est précisément parce qu’elle dépouille l’original de ce qu’il y avait en lui de momentané et d’utilitaire et qui nous empêchait de le voir ; elle nous apprend à l’admirer en nous apprenant précisément ce qu’il comprend donc bien pourquoi l’art a toujours paru une sorte de prestige et même de miracle. Car il donne une valeur à des choses qui par elles-mêmes semblaient n’en avoir aucune. Or cette valeur semble produite par l’action grâce à laquelle nous parvenons à les figurer. Ce qui nous conduit à nous demander si l’art n’aurait pas son origine dans le pouvoir créateur de l’esprit plutôt que dans son pouvoir contemplatif. L’œuvre d’art que nous avons sous les yeux accumule en elle toutes les actions qu’il a fallu accomplir pour la créer et le propre de la contemplation c’est seulement, en nous les donnant toutes à la fois, de nous permettre de les retrouver et de les accomplir encore par l’imagination. L’art alors, comme la poésie, résiderait dans une activité inventive et créatrice par laquelle nous remonterions jusqu’à cette source même où les choses prennent naissance il nous les montrerait dans la puissance même qui leur permet d’éclore. Ainsi s’expliquerait ce rajeunissement, ce renouvellement que l’art imprime à toutes choses, aux plus banales, aux plus usées. Il semble les faire sortir des mains de l’artiste telles qu’elles sont sorties des mains du créateur. De là les interprétations différentes que l’on a pu donner de l’activité artistique elle-même, soit qu’on la considère comme étant l’activité propre de l’homme qui introduit la beauté dans le monde au moment où il le fait pénétrer dans une forme qu’il a conçue soit qu’on la considère comme une activité qui dépasse la nôtre et qui, issue des ténèbres de l’inconscient, nous oblige à retrouver dans le réel l’appel d’une vie profonde presque toujours masquée par l’expérience quotidienne, soit que l’on imagine une parenté entre l’activité par laquelle les choses se font et l’activité par laquelle nous les percevons, de telle sorte que, pour en prendre possession, nous soyons amenés à en retrouver les différentes formes, à les figurer et à les multiplier. Le caractère original de l’art, ce serait alors de nous obliger à réinventer le monde, de nous associer à ce mouvement qui ne cesse de le produire et de l’animer et qu’il est libre encore de prolonger et d’infléchir d’une infinité de manières. 11Il ne peut pas être question de contester cet élément d’invention et de création sans lequel l’art ne produirait rien. Et même il n’y a point de vue qui semble pénétrer plus avant dans l’essence même de l’art que celle qui essaie de l’atteindre dans l’acte même qui le fait être bien plus, il y a une relation fort étroite entre le caractère par lequel nous avons essayé de définir l’art et qui est de donner aux choses une présence toute neuve et celui qui nous permet de les considérer dans cette démarche créatrice qui les rend sans cesse naissantes. Pourtant il faut considérer qu’une démarche inventive n’a point par elle-même une valeur esthétique, que l’on ne peut attribuer aux créations de la science, de la technique, ou même de la moralité que par une extension des termes qui est peut-être abusive. L’important en effet, c’est que cette création soit celle d’un spectacle qui puisse être contemplé. Or cela n’est possible précisément que si ce spectacle est l’objet privilégié de notre création, ce qui ne peut arriver que si nous nous préoccupons non point de produire des effets qui puissent prendre place dans le monde et en changer pour ainsi dire la nature, mais de produire un nouvel aspect de la réalité, libre de tout intérêt et qui nous permette de la saisir en elle-même, abstraction faite du parti que nous songeons à en tirer. De telle sorte qu’ici l’action, malgré les apparences, n’est jamais qu’un moyen au service de la contemplation, alors que partout ailleurs l’action créatrice vaut par son efficacité même, ce que nous pourrions exprimer – à condition de détourner un peu les mots de l’acception que leur avait donnée Aristote – en disant que l’action de l’artiste est proprement poétique, mais qu’elle n’est jamais y a plus si l’art nous paraît résider avant tout dans une création, ce n’est pas parce qu’il ajoute au monde réel un autre monde où notre imagination et notre sensibilité trouvent une satisfaction plus parfaite, c’est parce qu’il donne au monde réel un caractère de nouveauté, c’est parce qu’il nous oblige enfin à le percevoir, c’est qu’il nous le montre tel qu’il était toujours sans que nous l’ayons jamais su. Il est bien vrai qu’il surgit alors dans notre représentation comme si c’était nous qui le produisions. Pourtant, il y a toujours dans la création au moment où elle sort elle-même du néant et des ténèbres, le mystère et l’effort d’un arrachement. L’émotion qui l’accompagne est d’un autre ordre que l’émotion esthétique elle est plus violente et plus trouble. Mais l’émotion esthétique accompagne le créé ; il y a en elle une possession plus tranquille et plus apaisée. Elle ne naît du jeu des passions que quand, à l’intérieur de ce jeu lui-même, viennent s’introduire l’harmonie et la sécurité. Mais alors, le caractère de nouveauté inséparable de l’œuvre d’art change de sens loin d’exprimer cet accès dans l’être d’une forme d’existence jusque là inconnue, loin de traduire cette mobilité infinie qui empêche l’humanité de remettre jamais ses pas dans les traces de ses anciens pas, elle serait le signe au contraire d’un retour vers une réalité que nous n’avions pas quittée mais avec laquelle nous avions perdu contact et que nous retrouvons tout à coup avec une sorte d’émerveillement. L’art, c’est le monde reconnu ; c’est le même monde que celui où nous avons toujours vécu, mais qui cesse de nous être étranger, qui répond à toutes les puissances de notre âme et coïncide avec leur exercice. C’est pour cela qu’il est toujours nouveau, non pas de cette nouveauté instable et, inquiète qui ne nous donne qu’un ébranlement de surface, mais de cette nouveauté si claire et si profonde que revêt à chaque fois notre propre maison quand nous en avons vécu longtemps séparé et que le moindre objet qu’elle contient acquiert pour nous plus de profondeur et plus d’éclat que tous les trésors de la fable. Ainsi l’art n’invente rien ; il nous montre dans la moindre parcelle de ce qui nous est donné une richesse qui suffit à nous combler. Il introduit dans le temps lui-même la dimension de l’éternité ; c’est elle qui donne à chaque objet, dès que l’art l’a touché, une inaltérable nouveauté. Ainsi, quels que soient les efforts d’invention et de création de l’artiste pour dépasser le monde qu’il a sous les yeux et nous faire pénétrer dans un monde qui est son ouvrage, ces efforts n’aboutissent que s’ils produisent un spectacle dans lequel nous retrouvons le réel qui jusque là nous avait toujours échappé, de telle sorte que toute invention doit venir se résoudre dans la découverte même de ce qui est, et toute création, dans la présence du réel qui tout à coup nous est lors, tout le mystère pour nous est de savoir pourquoi nous ne pouvons prendre possession des choses qu’à travers cette apparence que nous créons et qui semble pourtant nous en éloigner. C’est le moment maintenant de réaliser la synthèse de ces deux caractères qui sont indissolublement unis dans l’art à savoir qu’il détache le spectacle du réel de toutes ses servitudes, c’est-à-dire de l’habitude et du besoin, et qu’en créant ce spectacle, il lui donne une éternité toujours renaissante. Tout d’abord, nous pouvons dire que le caractère propre de l’art, c’est en effet de produire une apparence ; mais nous donnerons à ce mot son sens le plus fort. C’est dans l’art seulement que le réel nous apparaît, mais pour cela il faut que nous donnions a cette apparence une réalité séparée jusque là le réel nous rassurait par une présence obscure que nous n’avions pas besoin d’actualiser ; l’art, au contraire, nous oblige à le faire. Il isole l’apparence des choses afin de montrer qu’en effet elles nous apparaissent. Mais il y a plus, les choses ne nous sont jamais présentes par elles-mêmes pour qu’elles le deviennent, il faut que nous nous les rendions nous-mêmes présentes. Et même on peut dire qu’il n’y a pas d’autre présence que la présence de l’esprit. à lui-même. Cette présence se réalise par une activité qu’il dépend de lui d’exercer. C’est par elle que la réalité nous deviendra présente à son tour. Mais il y faut l’attention la plus désintéressée et la plus pure. Et nous savons à quel point l’activité de l’esprit est vacillante et prompte à fléchir ; elle se repose sur l’objet, dès qu’elle croit l’avoir rencontré et cesse d’y appliquer son effort. Elle le perd presque aussitôt qu’elle l’a trouvé. Or, rien ne peut être présent pour nous que dans l’acte même par lequel nous réalisons cette présence. Mais cet acte peut-il demeurer purement intérieur ? Nous consentons à reconnaître que chez certains esprits d’une vigueur singulière, chez tous les hommes dans certaines minutes bienheureuses, chez l’artiste dans ce moment chargé d’une émotion incomparable où la possession et la jouissance du réel ont pour lui tant de plénitude et de perfection que le pinceau lui tombe des mains, la création artistique peut paraître fragile et inutile la présence même du réel nous est livrée alors sans intermédiaire avec une beauté surabondante qui nous ôte la puissance d’agir. Seulement, cette révélation est elle-même rare et évanouissante ; quand elle nous manque, nous cherchons à la susciter et à la produire ; nous cherchons à la maintenir quand elle commence à nous fuir. Nous voulons pouvoir la retrouver nous-même quand nous l’avons perdue, nous voulons la suggérer à ceux qui ne l’ont pas et leur communiquer un bien dont nous les croyons appelés à jouir avec nous. C’est alors que la main vient au secours de l’esprit. Mais il se produit alors un phénomène admirable, c’est que la main ne se contente pas de prolonger l’action de l’esprit, d’immobiliser la vision du réel qu’il nous a donnée de manière à nous en assurer une possession stable et qui nous permet d’en disposer. Il faut dire que la main oblige l’esprit à exercer toutes ses puissances elle réveille son attention et l’invite sans cesse à se tendre ce projet qu’a le peintre de capter le réel sur sa toile comme un spectacle pur ravive son regard, lui donne plus d’acuité et de délicatesse et le contraint à dégager du réel le spectacle même dont l’esprit ne peut prendre possession que dans une sorte de circulation ininterrompue entre l’œil et la main, où chacun d’eux renvoie vers l’autre et l’incite à se dépasser. On peut bien dire du peintre que ce qu’il est capable de voir est la mesure de ce qu’il est capable de peindre. Mais l’inverse est vrai plus qu’on ne le croit, ce qui justifie en partie tous ceux qui veulent réduire l’art à la technique. Ainsi, on ne s’étonnera pas que notre vision du réel s’enrichisse au cours même des efforts que nous faisons pour la fixer à travers les maladresses de l’exécution nous reconnaissons aussi les insuffisances de la vision et tant que l’œuvre n’est pas terminée, nous ne cessons de les dire que dans l’œuvre d’art l’esprit s’est reconnu ; il se donne là le spectacle de lui-même en même temps que le spectacle des choses et la perfection de l’art se trouve atteinte au moment où ces deux spectacles n’en font qu’un. Le jeu de l’émotion esthétique, c’est le jeu de leur coïncidence tour à tour perdue et retrouvée. L’art est le moyen qui permet à l’esprit de se mirer pour ainsi dire dans le réel et c’est pour cela que le réel devient pour lui intelligible, non pas seulement d’une intelligibilité abstraite comme celle de la science qui nous permet de le dominer par une loi, mais de cette intelligibilité sensible par laquelle il devient aussi l’objet de notre vouloir et l’expression de notre vie. C’est en composant le réel que l’art l’appréhende ; mais par là il se rend le réel présent en devenant lui-même présent au cœur du réel, de telle sorte que l’on ne sait plus dire s’il se l’est incorporé ou s’il est incorporé à lui. Car le réel n’est plus pour lui que l’esprit réalisé ce qui permet d’expliquer ce caractère que nous avons reconnu d’abord dans l’œuvre d’art de nous donner une satisfaction qui nous comble car elle est en elle-même finie, achevée, mais elle retient toute l’attention de l’esprit qui ne songe pas à la quitter, à s’en évader, qui ne cesse de circuler en elle, parce qu’elle renouvelle toujours son propre mouvement sans 1’épuiser jamais. C’est dire encore qu’elle enclôt l’infini dans le fini, et par là nous montre comment l’esprit et le réel parviennent à coïncider car le caractère du réel, c’est comme on le voit dans l’objet le plus humble, de donner prise à la multiplicité infinie de visions différentes, mais de les surpasser toutes. Or, le propre de l’art c’est de n’en réaliser qu’une, de nous proposer telle vision particulière que tel artiste en a eue dans telle circonstance et à tel moment. Mais dans cette vision, l’esprit s’est emparé du réel, il nous révèle sa présence qui jusque là nous avait été refusée ; par l’intermédiaire de la vision d’un autre, l’art nous découvre la nôtre et ne cesse de l’enrichir. Bien plus, il produit dans la conscience du spectateur une multiplicité infinie de suggestions différentes qui peuvent toujours aller au-delà de ce que l’artiste a lui-même senti, pensé et voulu. Ainsi, c’est l’œuvre la plus individuelle à la fois par son objet et par le génie de son auteur qui éveille le plus de résonances dans toutes les consciences, c’est-à-dire qui a le plus d’universalité. Et comme le propre d’une esquisse, c’est de nous laisser assez de liberté pour que nous puissions l’achever d’une infinité de manières, le propre du chef-d’œuvre, c’est de s’offrir à la même liberté dans la perfection d’un achèvement qui est bien loin de la borner puisqu’au contraire elle ne parviendra jamais à l’ nous venons d’observer que l’art doit composer le réel pour nous en donner la présence. N’est-ce point de nouveau ramener l’essence de l’art à une démarche inventive et créatrice et subordonner en lui la contemplation à l’action ? Mais peut-être pourrait-on montrer que composer le réel, c’est beaucoup moins être capable de le produire qu’être capable de le percevoir. Ou du moins, nous ne parvenons à le produire que selon les lois qui nous ont permis de le percevoir. Car c’est seulement quand nous avons découvert les lignes de structure du réel que nous sommes capable de le reconstruire faute de quoi notre construction elle-même s’écroulerait. Mais il y a plus ce n’est pas parce qu’il est construit par nous que le réel présente pour nous un caractère esthétique ; c’est parce qu’en le construisant, nous obligeons le regard à découvrir les proportions qui le soutiennent et qui lui permettent de subsister. 14Mais pour cela il serait bon d’étudier les arts qui ne sont point à proprement parler des arts d’imitation comme ceux auxquels nous paraissons avoir attaché jusqu’ici une sorte de privilège et de considérer par exemple l’architecture, la poésie et la musique, c’est-à-dire des arts dans lesquels il ne s’agit pas de nous livrer la présence d’une réalité préexistante, mais de créer une réalité nouvelle par une action qui la devance et qui doit, semble-t-il, expliquer tous ses caractères, en particulier le plaisir esthétique qu’elle nous donne. Ici, on discerne mieux que partout ailleurs le rôle d’une activité intellectuelle et volontaire qui en composant entre eux de purs rapports, donne l’être à des édifices de pierres ou de sons qui n’ont trouvé hors de notre esprit aucune espèce de modèle. Il n’y a point d’arts qui soient plus instructifs pour le philosophe, ni qui lui fournissent un si beau sujet de méditation, puisque dans chacun d’eux nous voyons l’esprit, par son mouvement propre et par les combinaisons qu’il invente, chercher à ébranler la sensibilité et pour ainsi dire à en disposer c’est lui qui calcule et mesure par avance tous les effets qu’il pourra produire en elle. Nous nous trouvons même ici au nœud de tous les problèmes philosophiques, au point où la destinée de l’art fait corps avec celle de l’homme et de la civilisation tout entière, s’il est vrai que la conscience résulte toujours de la rencontre mystérieuse de l’activité et de la passivité en nous et qu’il ne peut point y avoir pour elle de conquête plus haute que celle qui consisterait à ne plus subir d’autre passivité que celle qu’elle s’imposerait par son activité même. Or on ne peut douter que ce ne soit là en effet la fin propre de l’art il est cette exceptionnelle réussite qui nous permet au prix de beaucoup d’efforts, de réconcilier ce que nous voulons avec ce que nous éprouvons. Et c’est pour cela qu’il éclaire notre pensée au lieu d’avoir besoin d’être éclairé par elle. Mais il y a là pourtant un caractère qui est commun à tous les arts et non pas seulement propre à quelques-uns. Car les arts d’imitation mettent en jeu eux aussi une activité réglée par laquelle ils cherchent à atteindre la sensibilité et à l’émouvoir. Seulement, c’est pour nous faire retrouver une présence qui, dans l’architecture et la musique, n’aura été l’objet d’aucune expérience et sera par conséquent une présence produite par l’art lui-même, une présence créée. Ce qui permettrait de considérer ces arts comme plus purs en quelque sorte que tous les autres, puisqu’au lieu de prendre la nature pour soutien, ils ne connaîtraient point d’autre nature que celle dont ils seraient eux-mêmes les lors on pourrait se demander s’il est encore possible de les regarder comme une révélation du réel. En eux, tout dépend du propos et de l’artifice, et la sensibilité se fait juge de l’activité qui a produit tel ouvrage sans s’interroger sur sa puissance évocatrice par rapport à une réalité qui n’a point de ressemblance avec lui. Cependant, une telle opposition nous inspire quelque défiance, d’abord parce qu’il serait onéreux de rompre inutilement la solidarité entre les différents arts, ensuite parce qu’on pourrait alléguer aussi, et on n’a pas manqué de le faire, l’existence d’une peinture pure qui devrait nous apporter une satisfaction indépendante de toute relation avec l’objet qui lui a servi de modèle, enfin, parce que les arts qui paraissent ajouter le plus à la réalité sont ceux qui sont le plus rigoureusement soumis à ses lois. Ce que l’on comprendra facilement si l’on réfléchit que la peinture la plus imparfaite et le plus mauvais dessin réussissent encore à évoquer les délinéaments du réel, et qu’il peut toujours y avoir en eux quelque faux-semblant, au lieu qu’un édifice architectural ou musical qui ne tiendrait pas le compte le plus exact des lois de la pesanteur ou de celles de l’oreille s’écroulerait sans pouvoir être sauvé il peut montrer leur souplesse, ruser avec elles, témoigner que leur action s’exerce encore là où il semble les défier, mais ce sont elles qui assurent la solidité de l’édifice, qui lui donnent du même coup son caractère réel et son caractère esthétique. Et c’est seulement lorsqu’il acquiert un caractère esthétique qu’il nous découvre la présence même de ces proportions qui sont comme le réseau dans lequel la réalité demande à être saisie. Les pierres et les sons ne sont plus ici que des instruments ou des véhicules. La réalité dont ils nous donnent la présence par leur assemblage, c’est celle d’un ordre dont on peut bien dire que l’artiste le produit, mais dont il est plus vrai encore de dire qu’il le découvre et qu’il cherche seulement à le manifester. Voici donc des arts qui, bien qu’ils demandent plus qu’aucun autre à la matière et au sensible, sont cependant les plus abstraits de tous, puisqu’ils ne portent que sur des rapports. Nous saisissons ici l’activité de l’esprit dans son pur exercice dans son pouvoir proprement inventif, dans la faculté qu’elle a d’introduire dans le monde des créations absolument nouvelles. Ce n’est là pourtant qu’une apparence. Ou du moins, nous avons affaire maintenant à une conjugaison subtile de l’esprit et du réel qui fait que l’invention la plus hardie ne fait qu’un avec une découverte obtenue et que la création la plus originale se dénoue en une nécessité contemplée. On peut sur ce point invoquer les témoignages de la conscience qui invente ou qui crée aussi longtemps qu’elle garde encore l’impression d’ajouter au réel, c’est qu’elle ne l’a pas atteint, elle est encore dans la période des essais, elle n’a pas dépassé l’horizon de sa propre subjectivité. Mais les plus grands de tous les artistes savent bien que quand ils trouvent, c’est qu’ils sont allés au delà de l’invention elle-même. Les mots de juste, de pur ou de parfait n’ont de sens que pour évoquer une rencontre du réel que nous n’avions encore qu’approché et qui ne donne à l’esprit tant de sécurité et de certitude que parce qu’il perçoit enfin dans ce qui est la raison même de ce qui le fait voit bien maintenant quel est le caractère de l’art. C’est bien de nous donner la présence même du réel, et par conséquent de nous en apporter la révélation. Mais il ne peut y réussir qu’en le figurant, à la fois parce que c’est ainsi qu’il réussira à le délivrer de toutes ces préoccupations pratiques qui le recouvrent et le dissimulent et par suite à le transformer en un spectacle pur, – et parce que, pour le figurer, l’esprit s’oblige à le composer selon les lois intérieures qui lui permettent de subsister et par là le pénètre et en prend possession. Dans l’art, on peut dire également que le réel devient tout entier transparent pour l’esprit et qu’il n’y a pas un seul de ses éléments qui ne soit un point d’application pour l’une de ses opérations. Alors, le réel devient la véritable patrie de l’esprit. Ce que l’on comprend aisément si l’on songe d’une part que l’art n’a d’existence que pour l’esprit et dans l’esprit, puisque l’objet qui produit en nous l’émotion esthétique la plus vive peut être décrit par un indifférent comme l’objet le plus commun sans que rien lui soit retranché et, d’autre part que, cet objet, dès que l’art s’en retire, se change aussitôt en un obstacle ou en un moyen, c’est-à-dire perd sa réalité propre et ne peut plus être appréhendé comme un simple spectacle. Mais là où est le réel, et là où est notre esprit, c’est là aussi qu’est notre vie véritable. L’art n’est donc pas une évasion. L’artiste le sait bien qui considère la vie commune comme n’ayant point d’autre rôle que de lui permettre l’accès dans un monde plus lumineux où les choses acquièrent leur juste relief et leur véritable valeur il n’a point deux vies séparées car sa vie commune est toute pénétrée par 1’autre qui n’en exprime que la suprême réussite et pour ainsi dire 1’extrême pointe. Comme il n’y a point de lumière sans ombre, l’art forme contraste avec la banalité ou la laideur des événements quotidiens ; mais c’est qu’il est inséparable d’un regard qu’il dépend de nous de diriger, d’une activité qu’il dépend de nous de mettre en œuvre, et pour tout dire d’une responsabilité qu’il dépend de nous d’assumer à l’égard du monde. Alors, il n’y a plus rien de réel dans le monde qui, en nous découvrant sa signification, ne nous découvre aussi sa beauté. C’est au point même où elles nous montrent leur beauté que les choses nous découvrent aussi leur réalité. Et c’est pour cela que l’esprit le plus profond est celui qui voit dans le monde le plus de choses belles. On voit donc combien Platon avait tort de chasser les poètes de la République en leur reprochant d’embellir les choses laides les poètes ne changent l’apparence des choses que parce qu’ils découvrent leur essence secrète. Et s’il est vain de vouloir subordonner l’art à la moralité, nous savons pourtant qu’il existe une beauté morale dans laquelle le bien, cessant d’être une pure intention du vouloir, devient lui aussi une présence manifestée. Notes [1] Ce texte est celui d’une conférence faite en Roumanie et dont la traduction roumaine a été publiée en 1938.

Poursavoir à quoi sert l’art, il faudra bien savoir de quoi on parle Pour Bergson, l’artiste est celui qui est capable de se détacher de la réalité, de "notre besoin de vivre et d’agir" qui "nous a amené à rétrécir et à vider" notre vision du monde. Dès lors l’art sert à nous révéler en nous et hors de nous ce que nos préoccupations matérielles nous empêchent de

Chapitres I Le projet artistique s'inscrit dans un travail de la conscience sur elle-même II Comprendre n'est pas expliquer III L'artiste ne donne pas à comprendre il rend visible » Paul Klee L’artiste donne-t-il quelque chose à comprendre ? L'artiste fait évidemment éprouver, ressentir mais on ne comprend pas bien en quel sens il donnerait à comprendre. Qu'y aurait-il à comprendre en écoutant un symphonie de Mozart ou en contemplant un carré blanc sur fond blanc de Malévitch ? Et si c'était le cas ce serait donner à comprendre quelque chose que les autres savoir ou activité humaines ne donnent pas. Pourtant on pouvait observer la richesse du verbe comprendre qui se distingue d'expliquer mais signifie aussi englober, relier, prendre en soi. Il s'agit donc de penser l'intention et la réussite des l'entreprise artistique selon cette modalité d'un lien entre le spectateur et lui, entre ses œuvres et le monde, entre les hommes eux-mêmes. I Le projet artistique s'inscrit dans un travail de la conscience sur elle-même Hegel reprend cette généalogie de la conscience et évoque l’image d’un enfant qui s’amuse à jeter des cailloux dans un fleuve et admire les cercles qui se dessinent à la surface de l’eau. A la question de savoir pourquoi l’enfant tire autant de plaisir de cette activité apparemment insignifiante, Hegel répond qu'elle constitue le commencement même de l'humanité par la contemplation à l'extérieur de lui de sa propre conscience, de sa propre vie intérieure. La conscience de soi consiste ainsi à se de dédoubler et à imprimer sa marque sur le monde pour s'y reconnaître. Mais il va plus loin en concluant Ce besoin passe par les manifestations les plus variées et les figures les plus diverses avant d’aboutir à ce mode de production de soi-même dans les choses extérieures tel qu’il se manifeste dans l’œuvre d’art ». C'est pourquoi l'artiste doit être pensé comme celui qui produit par le travail de sa conscience créatrice une image singulière et inouïe de lui-même, qu'il tend à la société qui peut ou pas s'y reconnaître. D'où ce pouvoir extraordinaire de l'art qu'il décrit dans l'Esthétique "Éveiller l’âme tel est, dit-on, le but final de l’art, tel est l’effet qu’il doit chercher à obtenir. C’est de cela que nous avons à nous occuper en premier lieu. En envisageant le but final de l’art sous ce dernier aspect, en nous demandant notamment quelle est l’action qu’il doit exercer, qu’il peut exercer et qu’il exerce effectivement, nous constatons aussitôt que le contenu de l’art comprend tout le contenu de l’âme et de l’esprit, que son but consiste à révéler à l’âme tout ce qu’elle recèle d’essentiel, de grand, de sublime, de respectable et de vrai. Il nous procure, d’une part, l’expérience de la vie réelle, nous transporte dans des situations que notre expérience personnelle ne nous fait pas, et ne nous fera peut-être jamais connaître les expériences des personnes qu’il représente, et, grâce à la part que nous prenons à ce qui arrive à ces personnes, nous devenons capables de ressentir plus profondément ce qui se passe en nous-mêmes. D’une façon générale, le but de l’art consiste à rendre accessible à l’intuition ce qui existe dans l’esprit humain, la vérité que l’homme abrite dans son esprit, ce qui remue la poitrine humaine et agite l’esprit humain. C’est ce que l’art a pour tâche de représenter, et il le fait au moyen de l’apparence qui, comme telle, nous est indifférente, dès l’instant où elle sert à éveiller en nous le sentiment et la conscience de quelque chose de plus élevé. C’est ainsi que l’art renseigne sur l’humain, éveille des sentiments endormis, nous met en présence des vrais intérêts de l’esprit. Nous voyons ainsi que l’art agit en remuant, dans leur profondeur, leur richesse et leur variété, tous les sentiments qui s’agitent dans l’âme humaine, et en intégrant dans le champ de notre expérience ce qui se pas se dans les régions intimes de cette âme. Rien de ce qui est humain ne m’est étranger » telle est la devise qu’on peut appliquer à l’art." Où trouver un cours philo ? Les meilleurs professeurs de Philosophie disponibles4,9 17 avis 1er cours offert !5 152 avis 1er cours offert !5 77 avis 1er cours offert !5 63 avis 1er cours offert !5 24 avis 1er cours offert !5 15 avis 1er cours offert !5 14 avis 1er cours offert !5 20 avis 1er cours offert !4,9 17 avis 1er cours offert !5 152 avis 1er cours offert !5 77 avis 1er cours offert !5 63 avis 1er cours offert !5 24 avis 1er cours offert !5 15 avis 1er cours offert !5 14 avis 1er cours offert !5 20 avis 1er cours offert !C'est partiII Comprendre n'est pas expliquer Rien ne serait pire que de réduire l’œuvre d'art à un message. L'artiste n'est pas là pour expliquer, sinon son entreprise serait vaine et bien maladroite compte-tenu de l'ambiguïté profonde des œuvres. En revanche une fois identifiée la distinction entre expliquer et comprendre Dilthey le rôle d'éclaireur de l'artiste peut apparaître. Expliquer c'est étymologiquement déplier. Expliquer, c'est mettre en évidence un lien objectif qui unit un phénomène au processus qui en est la cause. C'est ainsi énoncer la loi qui préside à sa production. Comprendre c'est étymologiquement prendre ensemble, dans une opération de synthèse, en ramenant à l'unité d'un sens, d'une intention, d'un projet ; c'est unifier en pensée un acte ou une parole en les rapportant à leur raison d'être effectué ou dite. C'est pourquoi l’œuvre d'art devra être interprétée L'artiste vise donc à unifier les choses, à revenir à cette sympathie, cette unité fondamentale du monde, par delà les distinction intellectuelle, logique, utilitaires. Merleau-Ponty a étudié, ou plutôt décrit cette entreprise du peintre, en l’occurrence Cézanne, qui cherche à atteindre ce moment où le sentir est cette communication vitale avec le monde qui nous le rend présent comme lieu familier de notre vie”, qui cherche à saisir comment le monde nous touche. On pouvait penser aussi à la puissance unificatrice des synesthésie de Baudelaire que reprend Rimbaud Je me flattai d’inventer un verbe poétique accessible, un jour ou l’autre, à tous les sens » Alchimie du Verbe III L'artiste ne donne pas à comprendre il rend visible » Paul Klee Il faut envisager l'entreprise titanesque et prométhéenne de l'artiste comme celle d'une recréation du monde. L'effort de l’artiste consiste à enrichir notre rapport au monde, notre perception, notre sensibilité afin de nous délivrer du rapport logique, utilitaire et distinctif qui nous anime et qui simplifie toute choses. Face à “la science manipule les choses et renonce à les habiter” Merleau-Ponty l'artiste est celui qui nous invite à habiter pleinement le monde. Platon est extrêmement visionnaire dans la République en affirmant que l’artisan a un savoir faire dont ne dispose pas l’artiste parce qu’effectivement le créateur n’est pas fondamentalement quelqu’un qui fait mais quelqu’un qui montre, qui donne à voir. En cela il n’apporte rien de substantiel, de palpable. Mais c’est justement pour cette raison que l’art est une activité indispensable de l’homme. L’art est l’une des façons que l’esprit a de se saisir lui-même dans une forme sensible, extérieure à lui et libéré des contraintes de l'existence ordinaire. Mais ce faisant les œuvres d'art transforment ceux qui les contemplent. Alain conclut ainsi Je ne dirai pas seulement que ce sont les génies enchanteurs qui nous délivrent de l'ennui; je dirai qu'ils nous font nous-mêmes poètes et peintres ». Et c'est en cela que réside la vérité de l'art. La plateforme qui connecte profs particuliers et élèves Vous avez aimé cet article ? Notez-le ! Olivier Professeur en lycée et classe prépa, je vous livre ici quelques conseils utiles à travers mes cours !

Lart sert-il à quelque chose ? Dans son roman La route du retour Jim Harrison donne un point de vue sur l'art d'une très grande beauté : L'art se trouve au cœur de notre être le plus intime et il fait partie de la nature des choses tout L'art est-il gratuit et désintéressé ou n'est-il qu'un moyen d'exprimer un message religieux, politique, etc. ? Tenter de répondre à cette question suppose d'interroger le statut social et historique de l'art. I L'art exprime un message Les peintures des grottes de Lascaux avaient le pouvoir magique de favoriser la chasse. Les temples grecs ou les cathédrales gothiques devaient glorifier les dieux et soutenir la foi des croyants. Longtemps, l'art a eu une fonction ésotérique ou religieuse. Il a pu être utilisé également comme un moyen efficace au service d'un message politique. La publicité, quant à elle, soumet l'art à une utilité commerciale et véhicule un modèle de société consumériste. Cependant, vouloir faire de l'art une expression revient à en faire un langage à interpréter, renvoyant à une vérité rendue à travers des symboles. C'est réduire l'art à un moyen au lieu d'en faire une activité ayant sa fin en soi. II L'art est désintéressé 1 L'art n'a pas d'utilité Pour Kant, l'art et le beau doivent être désintéressés. Le beau doit être distingué de l'utile. On doit ainsi distinguer beauté libre » et beauté adhérente » admirer une voiture de course pour sa belle ligne, c'est goûter à la beauté libre par un jugement de goût ; l'admirer parce qu'elle va vite, c'est admirer sa beauté adhérente par un jugement d'utilité. Le beau doit être aussi distingué de l'agréable. Le beau procure un plaisir formel la présentation esthétique d'un plat, l'agréable apporte un plaisir matériel l'odeur appétissante du même plat. Le beau doit être également distingué du vrai, puisqu'il est affaire de goût, et qu'il n'y a là ni preuve, ni connaissance objective l'art n'est pas une science au sens classique du terme. 2 L'art nous détache des choses matérielles Enfin, pour Kant, le beau doit être distingué du bon l'art n'est ni moral, ni immoral. Vouloir censurer Les fleurs du mal ou Madame Bovary, c'est mépriser cette indépendance et cette liberté formelle de l'art. Néanmoins, son caractère désintéressé en fait une introduction à la morale, en nous exerçant à nous détacher des intérêts matériels. 3 Le beau et le sublime Si le beau nous fait goûter une forme finie et harmonieuse, le sublime nous expose à un phénomène monstrueux qui suscite en nous effroi et admiration la mer déchaînée, la haute montagne. Le sublime est, selon Kant, l'expérience esthétique qui introduit au sentiment religieux de ce qui nous dépasse. III Expression de quelque chose ou perception brute » ? Pourtant, l'histoire de l'art conduit à relativiser cette conception, qui fait de l'art gratuit une forme moderne du sacré. Pour Hegel, l'art – à travers son histoire – exprime l'esprit d'un peuple ; pour Marx, il représente des intérêts de classe. Pour Freud, il est l'expression de l'inconscient, des désirs refoulés et sublimés. mot-clé Selon la psychanalyse de Freud, la sublimation est l'expression de pulsions coupables sous des formes socialement valorisées. C'est ce que fait l'art, mais aussi le sport, la science ou la politique. Cette interprétation de l'art comme expression est rejetée par Bergson et Merleau-Ponty, qui réaffirment la gratuité de l'art l'art doit être perception brute » et pure présence au monde, dégagée de considérations utilitaires. ^{Àpropos d'art, de plaire, et puis des cultures avec un S.} ^{C'est-à-dire ? L'art, contemporain ou moins, vous parlerait mais il faudrait à la VO quelques sous-titres. C'est ça ? Venez à ces conférences, dont la prochaine se tient cet après-midi à la librairie Les Volcans et que donne Jean-Charles Vergne. Pour dire A quoi sert l'art… Et venez d'autant plus que le directeur du FRAC en parle parfaitement bien. Avant tout, c'est quoi l'art… ? C'est ce qui rend la vie plus intéressante que l'art - dixit Robert Filliou artiste américain 1926-1987. Mais encore ? Si l'on veut expliquer cela très simplement, prenons l'exemple de l'Été indien de Joe Dassin Avec ta robe longue tu ressemblais à une aquarelle de Marie-Laurençin… Un homme voit, un jour, des aquarelles de Marie Laurencin dans un musée. Il les oublie. Des semaines, mois ou années plus tard, il croise une femme et le souvenir des aquarelles de Marie-Laurençin se superpose alors à la vision de cette femme. Cette dernière lui apparaît d'autant plus belle. L'art c'est donc ce qui rend la vie plus intéressante que l'art lui-même. Et cet art, à quoi sert-il ? À rien. Des tas de gens n'ont pas de livre, de musique, de tableau et sont parfaitement heureux. On peut donc s'en passer. Cela dit, lorsque l'on fait une rencontre semblable à celle de cet homme qui croise cette femme dont la robe ressemble à une aquarelle de Marie-Laurençin, on est ensuite en quête de la deuxième, et de la troisième rencontre… L'art ne produit aucune valeur ajoutée - je mets de côté l'aspect marchand - ; il y a très peu de choses qui ne servent à rien ; l'art - la culture en général c'est probablement le dernier abri de la nuance et c'est sans doute en cela qu'il est indispensable. Est-ce nécessaire, et si oui en quoi, d'expliquer l'art… C'est nécessaire jusqu'à un certain point. Au début on a besoin de clefs. C'est comme pour lire. Picasso disait l'art c'est comme le chinois, ça s'apprend ; face à une 'uvre on est souvent comme confronté à une langue étrangère en quelque sorte. Depuis l'enfance nous sommes nourris de clefs et codes. L'artiste, lui, passe son temps à les transgresser et à inventer de nouveaux langages. Encore des codes donc. Oui mais assez simples. 1 Il s'agit de désapprendre à lire - c'est-à-dire être dans une situation virginale devant une 'uvre - et 2 accepter de ne pas comprendre. On ne demande pas à une partition de Mozart d'être expliquée, on accepte de l'écouter. Une 'uvre d'art, si elle est abstraite par exemple, il faut accepter de ne pas avoir de mode d'emploi. Quand on fait une conférence sur l'art, on donne un mode d'emploi. Et au bout d'un moment, ce mode d'emploi il faut l'oublier. Il faut donc également apprendre à regarder. Ce n'est pas tant apprendre que désamorcer des blocages. Il s'agit, en fait, de donner des bases historiques… Qu'entendez-vous par blocage ? Les choses entendues comme C'est de la supercherie, ou Je peux en faire autant. Mais si je vous dis, devant un monochrome de Redman, je peux faire la même chose, que me rétorquez-vous ? Je vous dis bien sûr. Évidemment. Imaginons une expo fictive de sept monochromes rouges. Exactement identiques. Le premier s'appelle la traversée de la mer rouge par les Hébreux, le deuxième La colère, le troisième Nappe rouge, etcæ Le septième Red Square. Des 'uvres identiques mais dont l'intention n'est pas la même. Parmi celles-là, il y a en a peut-être une très intéressante, deux médiocres et ainsi de suite… C'est donc l'explication que vous donnerez qui la rendra intéressante, pas forcément sa qualité plastique ou esthétique. Oui, c'est l'intention. Il faut se sortir de l'idée que l'art… silence. L'art ce n'est pas un bouquet de fleurs ! L'art n'est pas là pour faire plaisir aux yeux. Les yeux mènent au cerveau, le cerveau à des idées. Beaucoup disent moi j'aime ou j'aime pas ; une 'uvre n'a pas été faite pour ça. Cézanne a été l'artiste le plus "insulté" de toute l'histoire de l'art. Il s'en foutait. La fonction n'est pas de plaire au plus grand nombre Il allait au pied de la montagne, il peignait la montagne… Seules deux ou trois personnes venaient le voir Picasso et Braque notamment, qui grâce à lui ont inventé le cubisme et ouvert les portes de l'abstraction. Cézanne se pose des questions et tente d'y répondre. Sinon il fait de la variété ! Ce n'est pas péjoratif ce que je dis, mais la fonction n'est pas de plaire au plus grand nombre. C'est avant tout une recherche et cette recherche ne peut être menée que dans le cadre d'un enracinement dans une histoire. Donc si on n'explique pas au minimum ce qu'a été cette histoire, on ne peut pas expliquer un monochrome rouge ou blanc ou bleu. Une des facettes de l'art est de proposer, parfois, un langage chiant je pense à certains catalogues ? Comment sortir de cela ? Il y a plusieurs étages. Un catalogue n'a pas pour objectif d'être didactique ou pédagogique. C'est un outil scientifique qui peut faire avancer le travail de l'artiste par un biais critique. La conférence, ou la visite guidée, c'est se mettre à la portée d'un public dont on sait qu'il est hétérogène ; je précise d'ailleurs que le cycle donné aux Volcans est à l'attention des néophytes et je précise également au public que je vais faire des raccourcis et approximations pour servir le propos. Les difficultés que les gens peuvent rencontrer face à une 'uvre je les ai vécues donc je fais en sorte de les appréhender de la manière la plus simple possible. Julien Dodon Conférence. Prochain rendez-vous mercredi 9 février à la librairie Les Volcans 80 boulevard François-Mitterrand à 17 heures. Une autre est programmée en mars. Infos au Exposition. À quoi tient la beauté des étreintes… Sous cet intitulé, le Frac Auvergne présente soixante-cinq œuvres de sa collection, dont une moitié concerne des acquisitions récentes présentées pour la première fois. À découvrir du mardi au dimanche entrée libre au Frac, rue du Terrail à Clermont. Imaginer une exposition à partir d’une collection revient en quelque sorte à provoquer des étreintes, des accolades affectives fondées sur des familiarités entre artistes qui s’estiment, sur des œuvres concernées par des ré- flexions communes, fondées aussi sur des rapprochements formels ou chromatiques inattendus, voire improbables, susceptibles d’engendrer d’autres formes de lectures…}

Lart implique le sujet que nous sommes engagés dans l’être de l’objet au point où l’objet se met à transformer notre vie subjective comme notre vie subjective lui donne de se déployer dans toute ses dimensions. Le sujet se comprend et se ressent en l’objet d’art et l’objet d’art implique dans son être la vie du sujet lui ouvrant de nouveaux horizons d’être.

Corrigé A quoi sert l'art ? »Texte 1 Bergson1 L'artiste nous permet d'accéder aux choses du monde et de la nature dans ce qu'elles ont de plus singulier, dans leur profondeur. En effet, l'artiste n'est pas obnubilé par l'utilité de ce qu'il perçoit et de ce qu'il nous fait percevoir il ne cherche qu'à nous faire voir le monde tel qu'il est, indépendamment de son utilité pratique. Libéré de ce voile de l'utilité qui obscurcit dans la perception ordinaire tous les détails inutiles à notre action, l'artiste nous permet donc de rentrer en communion avec les choses, d'avoir la sensation de leur originalité. L'artiste nous montre la différence entre deux objets singuliers que le langage nous fait par exemple réunir sous un seul et même Ce voile qui existe entre nous et la nature est le voile de l'utilité. En effet, notre perception des choses est toujours déterminée par une finalité pratique nous ne percevons de celles-ci que ce qui nous est utile et nous effaçons ce qui nous parait inutile. Par exemple, il m'est inutile de percevoir la différence entre deux chaises, je cherche seulement de quoi m'asseoir. Je vais donc effacer les détails qui distinguent les différentes chaises. De ce fait, je ne rentre pas en contact avec la singularité de chaque chaise mais n'en voit qu'une simplification pratique ».Texte 2 Kant1 L'art libéral est agréable en soi et non pas en raison de ses effets. C'est l'activité même de créer qui est agréable pour l'artiste, indépendamment de ce qu'il crée et cette activité est libre car non contrainte par l'objet qu'elle a à créer. L'art mercantile à l'inverse est en lui-même une tâche désagréable, ce qui le rend attirant ce n'est pas son activité, sa création mais seulement son effet l'objet créé et l'éventuel profit qui en est Kant veut dire par là que le jugement esthétique est désintéressé on ne cherche pas à s'approprier cet objet parce qu'il est beau, ce qui nous procure du plaisir esthétique est simplement la contemplation désintéressée de cet objet. La seule représentation de l'objet a ainsi de l'importance et peu importe si l'objet en question existe réellement ou non. La contemplation esthétique est ainsi indifférente à l'existence de l' 3 Freud1 Les œuvres d'art sont, selon Freud, le moyen pour l'artiste de réaliser des désirs inconscients, qu'il a refoulé parce qu'ils étaient inacceptables d'un point de vue moral ou au regard de la société. La réalité extérieure vient en effet empêcher la réalisation de certains désirs il ne reste donc plus qu'à les satisfaire de manière imaginaire. Cette réalisation de désirs inconscients s'effectue alors de manière déguisée les œuvres d'art sont ainsi le moyen pour l'artiste de sublimer ses désirs en leur trouvant un ersatz, un substitut plus acceptable. La sublimation consiste à transformer et à orienter certains désirs vers des buts de valeur sociale ou affective plus Le rêve et l'œuvre d'art sont ainsi des moyens de satisfaire de manière imaginaire certains désirs que l'on a refoulé pour éviter un conflit intérieur entre nos désirs et nos exigences morales. Mais à la différence du rêve qui est par essence narcissique, tourné seulement vers soi, les œuvres d'art ne sont pas cachées au regard d'autrui, elles n'enferment donc pas l'artiste dans son individualité. L'artiste offre donc au regard d'autrui l'objet de satisfaction déguisée de ses désirs et peut même par là offrir du plaisir à ceux qui l'observent. L'artiste, par ses œuvres entre ainsi en communication avec les autres hommes et avec leurs désirs il crée par ses œuvres un monde commun, un lien entre les p. 204 Hegel1 L'imitation de la nature ne peut être satisfaisante dans la mesure où c'est une imitation d'un modèle qui existe déjà. Pour Hegel, la création artistique consiste à produire, à extérioriser à donner une existence effective à qqch de notre esprit, à réaliser qqch de soi. L'art est une production de l'esprit et non une imitation de la nature caricature. C’est la création qui inspire la fierté alors que la copie, étant toujours inférieure à son modèle, inspire plus de dégoût que d’ p. 204 Proust2 La création artistique a un sens fort au sens où elle renouvelle sans cesse le monde. Elle change notre vision du monde, elle nous le donne même à voir, tel un oculiste. Mais en changeant notre façon de voir le monde, l’artiste change ainsi le sens que nous donnons aux choses et donc change le monde lui-même une voiture devient un Renoir », autrement dit une œuvre d’art donc un autre objet ayant une autre p. 2051 La formule d'Oscar Wilde selon laquelle la nature imite l’art semble paradoxale au sens où elle va contre la doxa, contre l’opinion commune. En effet, l’art est souvent vu comme une reproduction des objets de la nature l’artiste essaierait de reproduire la beauté qu’il trouve dans la nature les ailes des papillons par exemple. Wilde inverse ici le rapport entre l’art et la nature. En effet, la nature est aujourd’hui à ce point transformée par la main de l’homme qu’elle semble imiter les œuvres d’art. La mise en forme de la nature selon une certaine configuration semble ainsi se faire selon le même procédé que la création artistique. La photographie ici présentée nous donne à voir une culture d’algues, organisée par l’homme. C’est donc sans doute l’homme qui tente de transformer la nature pour la faire imiter l’art, c’est-à-dire sa propre production. La nature devient un matériel dire que la nature imite l’art c’est aussi suggérer que la nature devient une pâle copie du modèle qu’est l’art, c’est donc inverser la hiérarchie initiale entre les deux pour rehausser la création artistique au détriment d’une nature dont la beauté laisse parfois à La photographie a-t-elle une fonction purement représentative au sens de présenter une nouvelle fois une réalité qui existe déjà ? Elle peut nous faire voir les choses autrement par une certaine mise en scène par exemple. Elle aurait ainsi une autre fonction celle d'exprimer un sens, d'entamer une réflexion sur le réel. De plus, si la photographie est censée représenter la réalité, elle est condamnée à la figer alors que la réalité est en perpétuel changement, en mouvement. Dès lors, elle ne peut la retranscrire adéquatement. Par exemple, la peinture de chevaux en plein mouvement semble plus vraie qu'une 206-207 Résumé HEGEL, EsthétiqueL’art nous éloigne-t-il de la vérité des choses en nous berçant dans l’illusion comme l’affirme Platon ou est-il au contraire un moyen d’accéder à une vérité plus profonde de l’être des choses, vérité intelligible relevant de l’Idée souvent cachée derrière l’apparence sensible des objets du monde ? Hegel affirme que l’art donne précisément l’Idée à contempler en la faisant apparaître de manière sensible, pour qu’elle ne demeure pas une simple abstraction. Mais à la différence des objets du monde, qui sont des objets sensibles, l’art ne nous donne que l’apparence de ce sensible et ne laisse donc pas place au désir de le consommer. Dès lors, en tant que manifestation de l’esprit, l’art ne peut se réduire à l’imitation de la nature. Au contraire, toute création artistique est le moyen pour l’homme de se contempler lui-même en tant qu’esprit en observant son œuvre. La finalité de l’art n’est ni un simple plaisir esthétique ni une érudition sur la création l’art a pour tâche de nous livrer l’Idée des choses, leur vérité mais toujours par leur aspect sensible c’est en cela que l’art diffère de la philosophie, où l’idée s’est libérée de son aspect sensible pour n’être que pur concept.pp. 208-209 HEGEL suiteTexte 1 1 La beauté artistique est supérieure au beau naturel parce qu’elle est de nature spirituelle relève de l’esprit ce qui est toujours supérieur au La beauté artistique nous donne à voir l’apparence du sensible et non le sensible lui-même ainsi ce n’est plus l’objet lui-même que l’on a en face de soi et qu’on aurait tendance à vouloir s’approprier, que l’on désire c’est seulement son apparence. Indifférent à l’existence effective de l’objet, la contemplation esthétique s’attache ainsi à la simple Idée de ce qu’est l’objet, à sa dimension 2 1 Le besoin d’art provient du fait que l’homme ne se contente pas d’être immédiatement comme les choses naturelles en tant que conscience, il est pour soi et a donc à se contempler lui-même en tant que conscience. Il est en soi et pour soi et afin de se contempler, de se donner lui-même à voir, il produit, il crée et toutes ces créations artistiques sont autant de moyens pour l’homme de s’observer comme L’homme peut prendre conscience de lui-même de manière théorique, spéculative par la pensée, la réflexivité, l'introspection, il se contemple et perçoit ses états d'âme; mais aussi de manière pratique, en transformant le monde qui lui fait face. Ainsi, en le transformant, il lui donne son empreinte, la marque de ce qu’il est, c'est l’extériorisation concrète de ce qu’il 3 1 Les scènes et objets de la vie courante ont cela de particulier qu’ils n’attirent plus notre regard nous ne voyons plus ces objets qui n’attirent pas notre attention. Nous restons indifférents au contenu de ces objets du quotidien. Paradoxalement, l’art, en nous donnant à voir la surface de ces objets, ne nous éloigne pas de leur contenu mais au contraire réoriente notre attention et notre intérêt vers celui-ci. Avec sa surface, c’est bien le contenu de cet objet du quotidien jusqu’alors sans intérêt qui m’intéresse c’est ainsi que l’apparence devient miracle d’idéalité ».2 On oppose généralement l’essence à l’existence, le sensible à l’intelligible, l’Etre à l’apparaître. L’originalité de la pensée de Hegel consiste à montrer que toute Idée ne peut être que si elle se manifeste, qu’elle s’extériorise et donc que l’apparence est un moment essentiel de la vérité qui ne peut rien être si elle n’apparaît pas. De même, la surface est essentielle à la profondeur et la forme essentielle au 4 La notion d’idéalité désigne d’abord ce qui relève de l’Idée. En tant que tel, elle caractérise quelque chose de durable. L’idéalité désigne ainsi l’essence des choses, ce qui les définit et qui en ce sens n’est pas périssable. Elle s’oppose à l’existence des choses faite de changements perpétuels et aux accidents qui affectent les choses mais n’en constituent pas des caractéristiques 222-223 Hannah Arendt1 Selon Arendt, la finalité de l'art ne doit pas être de servir à quelque chose d'autre que de ravir. Ainsi, elle ne doit pas être de s'éduquer, de parfaire sa connaissance d'une période donnée ». En effet, dans un tel cas, on utilise l'objet d'art à des fins secondes », ce qui ne diffère fondamentalement pas du fait de s'en servir pour boucher un trou dans un mur ».2 Le philistinisme consiste à juger de tout en terme d'utilité. L'attitude du philistin cultivé consiste à se servir de l'art pour une autre fin que la pure contemplation esthétique elle consiste à s'en servir pour se cultiver et ainsi permettre une ascension sociale. C'est en cela qu'Arendt juge qu'il y a là une crise de la culture » car cela dévoie la véritable finalité de l'art. Elle considère en effet que l'attitude qui consiste à se servir des objets d'art pour se cultiver et ainsi prétendre à une certaine position sociale n'est pas l'attitude appropriée dans la mesure où elle fait de la culture une valeur, une marchandise sociale, un objet d' La culture de masse risque de faire des œuvres d'art des produits de consommation comme les autres et ainsi de les détruire. En effet, faire d'une œuvre d'art un objet de loisir implique qu'on le consomme et qu'on le fasse ainsi entrer dans le cercle de la nécessité vitale. Ainsi, ces œuvres d'art n'auraient plus cette durabilité qui fait d'elles des œuvres qui habitent notre monde spécifiquement humain, elles deviendraient des objets périssables. En effet, les œuvres d'art sont censées n'avoir aucune fonction dans le processus vital de la société et c'est pour cette raison qu'elles ont une immortalité potentielle. Une version divertissante de celles-ci leur ôte leur nature d'œuvre d'art qui est précisément de n'être ni consommée ni Initialement, les notions d'art et de technique se confondent puis l'art s'en détache en visant simplement le beau, le plaisir esthétique indépendamment de l'utilité. Servir à signifie être au service de qqch d'autre. Dès lors, si l'art sert à qqch il devient un moyen, un outil et perd ainsi toute sa noblesse, sa valeur intrinsèque. L'art a peut-être pour vocation d'être inutile, de rester extérieure à cette logique utilitaire qui détermine notre rapport ordinaire au monde. Il serait une fin en soi. Mais si l'art est une fin cela veut-il nécessairement dire qu'il n'ait pas de fin ? Si l'art doit être inutile, qu'il ne doit pas être un moyen pour qqch, alors pourquoi créer et pourquoi aller au musée ? Le paradoxe de l'art semble bien être que ce qui fait sa valeur c'est d'être l'art vise-t-il seulement le beau et en ce sens n'aurait aucune utilité et serait donc inutile ou faut-il revoir le sens même de l'idée d'utilité au sens où l'art ne sert pas à qqch d'autre que lui-même mais n'est pas pour autant inutile, il a bien une Bergson L’art nous donne à voir le monde, les choses du monde pour ce qu’elles sont, indépendamment de leur utilité, de leur aspect pratique. Ainsi, l’art ne doit pas tant servir à quelque chose mais doit au contraire nous faire oublier cette logique utilitariste qui consiste à voir dans toute chose un moyen pour mon action. Le désintéressement par rapport au monde que nous apprend l’artiste peut nous permettre de le voir tel qu’il est réellement, dans toute sa richesse. Le monde que nous révèle l’artiste est fait d’objets singuliers, irréductibles les uns aux autres et non pas de multiples exemplaires similaires d’un même L'art est une fin en soi, une activité agréable voulue pour elle-même et dénuée de tout intérêt. L'art est une fin en soi et non pas un moyen donc en un sens il n'a pas de fin. Mais n'a-t-il donc aucune fonction ? L'art est-il seulement un divertissement ? voir ArendtFreud L’art est avant tout le moyen pour l’homme de sublimer ses désirs les plus inavouables. Ainsi, en créant des œuvres, l’artiste réalise ses désirs en leur trouvant un substitut acceptable et même honorable. Mais l'art n'est pas seulement la réalisation narcissique et égoïste des désirs humains, c'est aussi un moyen de communiquer et de créer du lien entre les désirs des hommes par ces L'art permet à l'homme de prouver son habileté. Il doit être création et non imitation car l'homme ne cherche pas à représenter la nature mais recherche sa propre image. Il cherche à être pour soi et pour les autres. Il y a derrière la création d'œuvres artistiques un besoin pour l'homme de se contempler lui-même dans son œuvre mais aussi d'être reconnu par les autres sujets conscients comme tel. En s'extériorisant en tant qu'esprit, le créateur se voit comme conscience de soi et se montre à autrui qui le reconnaît comme tel.→ Voir l'excellente fiche de lecture de Soélie sur le L'art permet un renouvellement de notre regard sur le monde, du sens que nous donnons aux choses et donc change ainsi le monde lui-même l'art sert avant tout à recréer perpétuellement le monde que nous habitons. Il nous incite à revoir le monde à l'infini et ainsi à le recréer L'unique but de l'art est l'apparaître et son critère est la beauté. Il ne faut donc voir dans l'art ni un moyen de se cultiver en vue d'une éventuelle ascension sociale, ni un simple loisir ou divertissement. Dans les deux cas, on dévoie la fonction initiale de l'art qui est de ravir celui qui la contemple et qui ne doit pas servir à autre chose. Mais réduire l'art à un simple divertissement est également préjudiciable dans la mesure où on les consommerait comme tout autre produit de consommation. Les œuvres d'art, par leur durabilité intrinsèque doivent être exclues de ce processus de consommation qui les détruirait elles sont là pour survivre aux générations et constituer un monde spécifiquement l'excellente fiche de ManonPour une proposition de plan détaillé voir Cest pourquoi Nietzsche à écrit que l'art est " un remède à la connaissance" Transition. L'oeuvre d'art est un objet unique qui a une fonction spirituelle . L'art permet de comprendre le monde et de sublimer ce qui nous affecte. L'art nous accorde une par d'immortalité, elle a donc un caractère divin et révèle l'essence des choses Combien parmi vous se sont retrouvés un jour dans l’incapacité de répondre à ces simples questions ? N’avez-vous jamais ressenti cette gêne devant vos interlocuteurs, d’être hanté par ce fameux syndrome de l’imposteur ? Dans cet article, il vous sera présenté un résumé d’une nouvelle théorie de l’art qui vous apportera, je l’espère, des réponses satisfaisantes à ces questions. C’est la théorie médiatique de l’art. Ces pages présentent un aperçu de son essai L’art est un média de masse paru en 2020 aux Éditions C. P. Nolin, productions graphiques et culturelles. Il est en vente ici, en format numérique. Une théorie générale Cette théorie concerne l’ensemble des pratiques artistiques les arts visuels, oui, mais aussi la danse, le théâtre, la musique, le mime, l’humour, le cinéma, la bande dessinée, etc. Théorie médiatique parce que cette définition de l’art est basée sur les théories de la communication, l’art étant vu d’abord comme un média de communication. Parmi les définitions recensées au cours de mes lectures, bon nombre ne concernent que les arts visuels et plusieurs autres, qu’une école ou un esthétisme en particulier. Certaines théories plus récentes s’attachent davantage à savoir quand » il y a art. Ces dernières sont plutôt utiles aux institutions et aux collectionneurs afin de s’assurer de l’authenticité des œuvres. Les philosophes et les théoriciens de l’art se sont évertués durant des siècles à circonscrire ce champ de l’activité humaine depuis un champ d’études particulier l’esthétique. Instrumentalisées par les élites dans la lutte des classes, les définitions qu’ils ont proposées rendaient souvent plus obscur le rapport de la société avec ses artistes. L’hermétisme de leurs jargons a fini par convaincre la population que l’art était l’affaire des riches. Encore aujourd’hui, l’intellectualisation à outrance du discours artistique creuse ce fossé. Tout n’est pas nécessairement à rejeter. Il s’agit plutôt de changer de point de vue. Comme lorsque différentes personnes sont concernées par la construction d’un pont. Pour l’architecte, c’est de la création pure. Pour l’ingénieur, c’est un défi. Pour les ouvriers, c’est d’abord un revenu. Pour l’entrepreneur, c’est une occasion d’affaires et pour les financiers, un investissement intéressant. Pour les personnes expropriées, c’est soit une injustice, soit une opportunité. Mais pour la société et les usagers de ce pont, ce sera un lien qui servira à rapprocher les gens et les lieux. L’important est donc de déterminer quel rôle jouent l’art et les artistes dans la société. Alors, plutôt que de baser notre définition sur les œuvres, nous allons partir de l’intention des artistes. L’énoncé L’art est un média de masse On dit des artistes qu’ils tentent de s’exprimer par leur art. Ne devrait-on pas considérer l’art comme étant d’abord et avant tout un média de communication ? Un média qui permet à l’artiste de communiquer des idées, des impressions et des émotions par l’usage de mises en scène esthétiques et transcendantes, d’établir une certaine communion d’esprit avec son public ? Source Vadim Fomenok sur Unsplash. L’hypothèse L’art est un média de communication de masse qui permet à l’artiste de communiquer des idées, des impressions et des émotions par l’usage de mises en scène esthétiques et transcendantes visant à établir une certaine communion d’esprit avec son public. Les fonctions de l’art L’art a de multiples fonctions. Il permet l’expression des individus. Il permet à chacun d’entrer en communion d’esprit avec d’autres individus, d’avoir l’impression de partager des moments, des sentiments et des émotions avec eux, d’être empathique vis-à-vis de ce qu’ils ressentent. Il permet à chacun de décorer son environnement, de le personnifier. Il a également pour fonction de fasciner, de créer des passions. C’est un instrument d’éducation et de diffusion du savoir, mais, également un outil de propagande et d’endoctrinement. On lui reconnaît des capacités d’introspection. Les Grecs de l’Antiquité avaient découvert sa capacité de catharsis, on l’utilise aujourd’hui en thérapie. De tout temps, il a servi à commémorer les événements, forger les souvenirs, glorifier les individus. Il joue un rôle dans la construction de l’identité des individus et des sociétés. Il est à la fois le résultat d’une culture et un élément qui contribue à sa construction. Il permet le développement de l’imagination, de la créativité. L’art est subversif. Il permet d’interroger les gens sur leurs valeurs, leurs croyances. Est-il possible de déduire un rôle qui résume toutes ces fonctions ? Le rôle de l’art Donner un coup de pied dans la fourmilière La majorité des gens vivent le nez collé sur leur quotidien. Peu d’individus ont le temps et le recul nécessaire pour analyser la société, pour prendre conscience de la source de leurs émotions ou des rapports qu’ils entretiennent avec les gens. Les artistes en sont généralement. Le réel est une idée subjective. Nos propres sens sont limités et imparfaits. Notre savoir, incomplet. Une bonne part de nos connaissances sont le fruit d’expériences empiriques, d’un héritage culturel. Durant plusieurs millénaires, les religions et les idéologies ont tenté de pallier notre ignorance par une mythologie et une cosmologie souvent aberrante. Pour compliquer le tout, les caractéristiques physiques mêmes de l’Univers sont en soi un obstacle qui nous empêche de l’apprécier dans sa globalité. Nos connaissances sont donc souvent le fruit de mauvaises interprétations du réel. L’avancée de la connaissance objective sur cet univers et sur notre propre nature bouscule jour après jour les vieilles idées reçues et rend certains savoirs désuets. Il n’est pas toujours facile de réaménager les vieux schémas de pensée pour faire place aux neufs. Il y a souvent de la résistance, surtout quand notre conception du monde et nos valeurs sont bousculées. L’art peut contribuer à provoquer ce changement tel un catalyseur. Il permet tant aux individus qu’aux sociétés d’établir ou d’actualiser leurs rapports avec eux-mêmes, avec leur environnement, avec leurs semblables et aussi avec leur propre humanité, bref, d’ajuster leurs rapports avec cette réalité subjective. On pourrait peut-être émettre l’hypothèse que, sans même que l’artiste ne s’en rende compte, son art prépare l’intellect des individus à recevoir des idées nouvelles. L’artiste ne nomme pas les choses, il les évoque. L’œuvre d’art ne dit pas à chacun quoi penser ce serait de la propagande comme l’ont été l’art religieux et le réalisme socialiste, il se limite à exposer les gens à des expériences afin que ceux-ci réagissent chacun selon leur propre nature et leurs propres valeurs. Son œuvre agit tel un contaminant. Une fois qu’il a été exposé à une œuvre qui déstabilise son conscient ou son inconscient, l’individu cherchera à retrouver son équilibre. Il peut être affecté autant par une œuvre abstraite que figurative, autant par un geste, une parole, un son ou une ambiance. Il peut rejeter ce qui le dérange, l’intégrer à ses acquis ou, enfin, se transformer lui-même afin de faire place à ce qui entre en conflit avec ses vieilles structures de pensée. Le but est de conserver sa propre cohérence. Le rôle de l’art est de permettre tant aux individus qu’aux sociétés d’établir ou d’actualiser leurs rapports avec eux-mêmes, avec leur environnement, leurs semblables et leur propre humanité, bref, d’ajuster leur rapport avec cette réalité subjective. Source Toa Heftiba sur Unsplash. Les principales caractéristiques de l’art C’est une mise en scène. Elle n’est jamais la réalité, c’est une représentation. L’art contribue à donner forme au réel. C’est un moyen de communication de masse. En art, le bruit dans la communication est une composante du message. La perception d’une même œuvre d’art peut différer d’un individu à l’autre. L’œuvre, est un système de signes dont les codes peuvent être nombreux, entremêlés et non nécessairement partagés, est un jeu qui défie notre intelligence. Ces codes ne sont pas nécessairement conventionnés et sont souvent créés sur mesure par l’artiste pour les besoins de sa création. Toutes les discipl

Ուከоኄοшиц εнէ βощ
1. ሠ исуξикло ማσоռι
2. Тирсሾжачо սω ኦрυτοձишυ լешኀπу
Ζешюծυ ላ

LART SERT-IL A QUELQUE CHOSE ? Art et imitation . L’œuvre peut consister en une imitation médiocre de la réalité, sorte de photographie mais sans réel projet esthétique. C’est un peu la croute du peintre du dimanche C’est une tentative de reproduction du monde mais toujours inférieur, comme dirait Hegel, à la réalité. Il n’y a pas d’intention, pas d’esprit. Mais il

Une page de Wikiversité, la communauté pédagogique libre. L'art et le réel[modifier modifier le wikicode] La définition du beau que nous avons tenté de donner n’est pas suffisante pour comprendre ce qu'est l'art. On peut se rendre compte que l'art a pour but d'exprimer quelque chose, mais quoi et comment ? Platon, dans La République Livre X, étudie le rapport entre art et réalité. Sa thèse consistera à dire alors que l'art n'exprime rien de vrai, ne signifie rien de profond l'art, en fait, ne produit que des illusions. Afin de le montrer, il va opposer l'imitation artistique et l'efficacité technique de l'artisanat. Que doit faire un menuisier qui veut fabriquer un lit ? Il doit par la pensée se référer à ce que Platon nomme l’idée de lit, c'est-à-dire considérer un schéma de fabrication. Or, il existe le même rapport entre le cercle dessiné et sa définition qu'entre le lit fabriqué et l’idée de lit. Dans les deux cas, il y a matérialisation imparfaite d'un idéal. Le lit fabriqué par l'artisan ne fait que ressembler au lit idéal unique, l’idée du lit. Pour Platon, il existe trois degrés dans la production. Puisque les idées renvoient à l'essence même des choses, leur nature, le monde sensible ne peut être que le reflet du monde des idées. Tous les cercles dessinés par exemple ne sont que les apparences sensibles d'une même réalité, à savoir le cercle réel, le cercle qui est vraiment un cercle, l’idée du cercle. Par conséquent, si les idées représentent la réalité elle-même, seul Dieu peut les produire. L'artisan est celui qui matérialisera certaines de ces idées. Il ne produira pas le lit "qui est lui-même ce qu'est le lit", mais seulement un objet singulier et sensible qui ressemble à ce qu'est le lit par nature. Enfin, nous trouvons l'artiste. Il ne se réfère pas aux idées pour produire ses objets, à ce que sont véritablement les choses. Alors que Dieu est l'artisan de l'être, le menuisier est l'artisan de quelque chose qui ressemble à l'être, l'artiste se contente de l'apparence. On ne peut pas par exemple dire que l'artiste produit un lit sur sa toile parce que ce lit n'a aucune réalité. Dieu et le menuisier sont des artisans, l'artiste n'est qu'un "imitateur". L'art est au troisième degré, le plus éloigné de la réalité, de l'être. Il imite non pas l'être mais reproduit les apparences des objets sensibles. Dans son texte du Gorgias, Platon distingue les différents arts qui ne produisent qu'une apparence trompeuse et les savoirs qu’il considère comme véritables la médecine, la gymnastique... s'opposant à la cuisine, la rhétorique... Ce qu’il critique dans l'art, c’est la tromperie, effectuée en donnant l’apparence du vrai. De même que la rhétorique imite l’apparence de la vérité en fabricant de beaux discours, de même l'artiste imite l’apparence de la réalité en produisant ses œuvres. Platon donne une comparaison surprenante l'artiste est comparable à quelqu’un qui promène un miroir "en tous sens" ce qu’il produit n'est qu'un reflet sans consistance, une apparence doublement éloignée de l'être. C'est pourquoi il fait la critique d'une tendance relativiste d'un art grec qui déjà à l'époque tenait compte davantage du point de vue du spectateur que de la réalité elle-même. Comme l'illustre le célèbre exemple du concours de sculpture remporté par Phidias, l'art est un jeu sur les apparences qui nous plonge dans l'illusion. Cependant, peut-on se contenter de dire que l'art n'est qu'une imitation des apparences ? N'est-il qu’illusion ? N'est-il pas au contraire une manière d'approcher le réel ? L'art comme langage[modifier modifier le wikicode] Platon oublie peut-être que l'art, même celui qui reproduit, qui imite au plus près la réalité par exemple, le réalisme des natures mortes, exprime quelque chose. L'œuvre de l'artiste n’est pas une simple copie mais reste une expression artistique d'un côté, l'artiste s'exprime à travers son œuvre, mais le spectateur attend aussi d'une œuvre qu'elle "s'exprime" à lui. L'illustration est l’expression "cela me parle". Nous pouvons dire alors que l'art est un langage symbolique. Considérons un artiste et son œuvre, par exemple Van Gogh "Au lieu de rendre exactement ce que j’ai devant les yeux, je me sers de la couleur le plus arbitrairement pour m'exprimer plus fortement... Je voudrais faire le portrait d'un ami artiste qui rêve de grands rêves, qui travaille comme le rossignol chante... Cet homme sera blond. Je voudrais mettre dans le tableau mon appréciation, mon amour que j’ai pour lui...Derrière la tête, au lieu de peindre le mur banal du mesquin appartement, je peins l'infini, je fais un fond simple du bleu le plus riche, le plus intense que je puisse confectionner, et par cette simple combinaison la tête blonde éclairée sur ce fond bleu riche, obtient un effet mystérieux comme l'étoile dans l'azur profond." À Théo, août 1888 On peut donc dire que l'artiste s'exprime à travers un langage symbolique de couleurs, de sons, de mouvements... Dans le café de nuit, le jeu des couleurs jaune sale, rouge brutal... tend à donner l'impression d'un univers souillé, d'une déchirure morale; le jeu des formes personnages aplatis, rapetissés, semblables à des spectres, espace déformé fait sentir, revivre l'irréalité de cet univers, l'impression d'ivresse et de vertige. "Dans mon tableau le café de nuit, j’ai cherché à exprimer que le café est un endroit où l’on peut se ruiner, devenir fou, commettre des crimes" À Théo, septembre 1888. Au delà de la copie et grâce à l'art, l'artiste révèle un monde, le rend plus dense, l'immortalise ce tableau est l’expression artistique du monde prolétaire de la fin du XIXe siècle. Van Gogh a lu Zola. Et puisque l’on peut comparer une œuvre d'art à un texte la matérialité et les formes de l'œuvre sont comme le vocabulaire et la syntaxe d'un texte. Apprécier une œuvre, veut dire savoir lire, l'interpréter. Plus précisément l'art est vécu comme un langage à l'imagination, par le moyen des symboles. L'art peut donc être considéré comme une grande métaphore. Cicéron disait qu'un poème est une peinture loquace et la peinture un poème muet. Comme les métaphores des poèmes, l'art en général stimule l'imagination et l'entendement. Il n'explique rien et ne parle pas explicitement, mais il suggère des interprétations, évoque des images il inspire et remplis l'être humain d'idées neuves, de sentiments nouveaux. On comprend alors pourquoi une œuvre trop réaliste ne procure aucune émotion esthétique. Quand tout est apparent, clair, explicite, d'un réalisme extrême, là où il n'y a qu’à regarder, quand tout est apparent, quand tout n'est qu'apparence, notre imagination n’est pas stimulée, tout n'est qu'affaire de sensation. Proust dans À la recherche du temps perdu que les habitués appellent simplement "La Recherche", explique et analyse dans le second tome À l'ombre des jeunes filles en fleurs la déception qu’il éprouve devant la cathédrale de Balbec. Il ne ressentait aucune émotion artistique car il ne voyait devant lui qu'une cathédrale, entre la poste et le bistro. Or, une cathédrale est la reformulation symbolique de l'histoire racontée dans la Bible. Proust voyait donc un objet qui avait perdu sa fonction de signe, cette bâtisse ne lui inspirait rien, ne signifiait rien pour lui. De même que nous sommes limités à ne considérer que la matérialité d'un mot lorsqu'on en ignore le sens, de même Proust était réduit à ne voir qu'une construction en pierre. Le signe était là, mais sans la présence de la signification, le signe ne laissait transparaître aucun sens. Cette déception de Proust correspond donc à un désenchantement, car l'art est essentiellement un pouvoir d'enchantement, d'envoûtement, un pouvoir poétique. La magie dans l'art consiste à transformer des objets en symboles, de telle sorte que des couleurs, des sons, des formes... pourront évoquer des sentiments, des images, des idées. Cela donne, en termes psychologiques, l'art est enchanteur car inspirateur d'interprétations. À travers des choses réelles et matérielles se trouve l'échappatoire à tout ce qui fait la matérialité du réel, la nécessité, la répétition, la banalité. Aussi pouvons nous rapprocher de l'expérience esthétique de celle du rêve. Quels rapports peuvent être établis ? Principalement deux Premièrement, ils peuvent être conçus tous les deux comme un langage au moyen de symboles car l'œuvre d'art, comme le rêve, s'interprète Freud a écrit abondamment sur le sujet. Deuxièmement, le propre du rêve est d’être vécu comme le réel la peur dans un cauchemar est réellement vécue dans ce qui est imaginé en rêve. Il en va de même pour l'art. Ce qui est imaginé lors de l'observation d'une œuvre artistique, c'est-à-dire ce qui est interprété, est cru comme réellement perçu dans l'œuvre. La souffrance dans un tableau de Goya, la puissance de la nature dans un autre tableau de Turner, la paix tranquille d'une campagne ou d'une chaude journée d'été dans la symphonie pastorale de Beethoven... Tous ces sentiments, ces perceptions ne sont pas réelles; elles sont comme dans nos rêves le fruit de notre imagination. Dans les deux cas, ce qui est imaginé est pris pour une perception. Il donc vrai de dire comme Platon que l'art provoque des illusions, mais dans le cas de l'art l'illusion n’est pas synonyme de tromperie. L'illusion de ce qui est vu est paradoxalement ce qui aurait dû être vu. Ces artistes font percevoir dans une illusion toute la profondeur de la réalité. Conclusion[modifier modifier le wikicode] Pour finir cette partie, une définition nouvelle de l'art peut-être extraite de tout ce que qui a été vu précédemment. L'art semble être l'activité humaine qui façonne la matière de telle sorte qu'elle pourra exprimer un sentiment, une idée, et même, ajoute Bergson, un effort, une force. Même si cette définition est illustrée avec l'exemple des grands peintres, il faut la vérifier dans d'autres domaines. Bergson parlait de la grâce, la beauté des gestes, et de l'art qui avait pour objet ce type de beauté, celui de la danse. En observant un danseur expérimenté et/ou doué, apparaît l'impression que le geste même le plus complexe, même le plus inattendu, devient naturel. Ce fait suppose une certaine facilité, voire une liberté quant à l'usage du corps. Comme si le danseur échappait à tout ce qui le caractérise d'habitude sa matérialité, sa raideur, son inertie. Dans le sport, c’est aussi la grâce qui différencie le geste efficace du beau geste cela paraît simple. Dans un spectacle de la grâce, l'imagination participe à la vie d'un corps qui n'est possédé que pendant les rêves, un corps sans inertie, sans pesanteur, sans étendue... Le corps du danseur n’est pas un corps de rêve mais un corps rêvé, car l’idée qu'une volonté a pris le pas sur un corps, qui se fait peu à peu oublier, se fait sentir. L'esprit prend corps ou la matière s'anime. À ce moment, la danse devient expression, l'esprit dévoile ce qu’il contient à travers le corps. L'art est donc bien l’expression du spirituel. Kant a montré les contradictions de la beauté, et même en tentant de la définir autrement, une nature paradoxale de la beauté est toujours présente. L'art est l'activité qui se sert de la matière pour la dépasser, qui façonne des objets sensibles pour nous détacher des simples apparences sensibles. La beauté est donc un sentiment résultant du fait que l’on voit au travers de la matérialité de l’objet d'art quelque chose d'ordre spirituel. Un visage humain aux traits parfaits, possédant un joli teint est sûrement agréable à regarder, mais il n'est que cela s'il n'exprime rien. Le beau visage est celui qui reflète l'âme, transparaître une profondeur, une intériorité, bref, qui est de l’ordre du spirituel. Comparable à un signe, il sera trouvé beau lorsqu’il tendra à se faire oublier, à faire oublier sa matérialité.

Objectif Comprendre ce qu'est l'art. Points clés. L'art est généralement considéré comme une aptitude et une technique, avec une visée esthétique. Une oeuvre d'art est considérée comme inutile, elle est cependant matérielle et possède de la valeur. L'art ne consiste pas simplement à imiter la nature : il la sublime. 1. Définitions.

Chroniques d’expertsCarrière Le 17/04/2019 © GETTY IMAGES Temps de lecture 6 minutes La plupart des diplômes de l'enseignement supérieur ne préparent pas suffisamment bien les étudiants au marché du travail. Les employeurs et les dirigeants d’entreprise se plaignent souvent du fossé qui existe entre ce que les étudiants apprennent à l’université et ce qu’ils sont censés savoir pour être prêts à commencer à travailler. Un constat particulièrement alarmant quand on considère le nombre important et sans cesse croissant de diplômés du supérieur plus de 40% des 25-34 ans dans les pays de l’OCDE et près de 50% de la même classe d’âge aux Etats-Unis. Bien que l’obtention d’un diplôme d’études supérieures soit clairement bénéfique – des rapports récents publiés par The Economist indiquent que le retour sur investissement associé n’a jamais été aussi élevé pour les jeunes – sa valeur ajoutée diminue à mesure que le nombre de titulaires augmente. Ce qui explique pourquoi un tel diplôme permettra d’accroître ses revenus de plus de 20% en Afrique subsaharienne où les diplômés du supérieur sont relativement rares, mais de 9% seulement en Scandinavie où 40% des adultes sont diplômés du supérieur.Dans le même temps, alors que les études supérieures se banalisent, les recruteurs et les employeurs en font de plus en plus souvent une condition nécessaire d’embauche, qu’elles soient utiles ou non pour le poste à pourvoir. Sans nier que ces diplômes donnent accès à des emplois mieux rémunérés, les entreprises se font cependant du tort – de même qu’aux jeunes – en ne considérant que des candidats issus de ces formations. Alors que nous vivons une époque de disruption omniprésente où le marché du travail évolue de façon imprévisible, les connaissances historiquement associées à ces diplômes apparaissent de moins en moins faible corrélation entre diplômes et performance au travailPlusieurs arguments factuels remettent en question la valeur intrinsèque – par opposition à celle perçue – d’un diplôme du supérieur. Tout d’abord, des méta-analyses d’études ont montré depuis longtemps que la corrélation entre le niveau d’éducation et la performance au travail est faible. En réalité, les études indiquent que les scores obtenus à des tests d’intelligence sont un bien meilleur indicateur du potentiel de réussite dans un poste donné, notamment dans ceux qui font constamment appel à la réflexion et à l’apprentissage. Les résultats scolaires permettent de savoir si un candidat a beaucoup étudié ou pas, alors que la performance à un test d’intelligence montre la capacité d’un individu à apprendre, à raisonner et à penser de façon ailleurs, la surreprésentation des classes sociales favorisées dans les études supérieures contribue à réduire la mobilité sociale et à augmenter les inégalités. Beaucoup d’établissements du supérieur choisissent leurs étudiants en fonction de leur mérite, mais un tel mode de sélection va de pair avec des variables qui amoindrissent la diversité des candidats reçus. Dans beaucoup de sociétés, il y a un fort degré d’endogamie basé sur le niveau de revenu et la classe sociale. Ainsi, aux États-Unis, les individus aisés sont plus susceptibles d’épouser des personnes issues du même milieu social qu’eux et les familles nanties peuvent se permettre de payer des écoles et des cours de soutien privés, des activités parascolaires et d’autres privilèges encore qui accroissent la probabilité que leur progéniture accède à une université d’élite. Ce qui, à son tour, a des conséquences sur toute la trajectoire future de l’enfant, y compris les carrières auxquelles il pourra prétendre. Certains bénéficient donc clairement d’avantages dont d’autres sont évaluations psychologiques qui prédisent mieux la performance professionnelleQuand les employeurs valorisent les diplômes, c’est souvent parce qu’ils les considèrent comme des indicateurs fiables des capacités intellectuelles des candidats. Mais si c’est réellement leur objectif, pourquoi ne recourent-ils pas plutôt à des évaluations psychologiques qui prédisent bien mieux la performance professionnelle future du candidat sans se confondre avec son statut socio-économique et d’autres variables démographiques ?Cela dit, les établissements du supérieur pourraient accroître de manière substantielle la valeur de leurs diplômes du premier cycle en dédiant davantage d’heures à l’enseignement des soft skills. Il y a peu de chances que les recruteurs et les employeurs soient impressionnés par des candidats incapables de faire montre d’un certain degré de compétences interpersonnelles. C’est là où se situe sans doute l’une des plus grosses différences entre ce que recherchent respectivement une université et un employeur chez un candidat. Tandis que les employeurs attendent des candidats une intelligence émotionnelle élevée, de la résilience, de l’empathie et de l’intégrité, rares sont les universités qui mettent en avant ces attributs comme critères de sélection ou qui cherchent à les développer. Alors que l’intelligence artificielle et les technologies disruptives ont de plus en plus d’impact sur la société, les candidats capables d’effectuer des tâches hors de portée des machines prennent de la valeur, ce qui souligne l’importance croissante des soft skills qui restent dans une large mesure l’apanage des compétences techniques moins valorisées par les employeursDans une étude récente menée par le ManpowerGroup auprès de 2000 salariés, plus de 50% des organisations plaçaient la résolution de problème, la collaboration, le service client et la communication au rang des compétences les plus recherchées. De même, dans un rapport également récent, Josh Bersin notait que, de nos jours, les employeurs sont tout aussi susceptibles de sélectionner des candidats en fonction de leur capacité d’adaptation et d’adhésion à la culture d’entreprise et de leur potentiel de croissance que pour leurs compétences techniques par exemple, le langage de programmation Python, l’approche analytique ou le cloud computing. Les entreprises telles que Google, Amazon et Microsoft ont elles-mêmes souligné l’importance de la curiosité et de l’appétence pour la connaissance et l’apprentissage comme indicateurs clés du potentiel de carrière. Ceci résulte sans doute de l’attention de plus en plus forte portée à la formation des employés ; un rapport montre ainsi qu’en 2017, les entreprises américaines ont dépensé plus de 90 milliards de dollars sur ce poste. Le retour sur investissement sera d’autant plus élevé que les personnes embauchées seront curieuses par établissements du supérieur ont cependant la possibilité de retrouver leur pertinence en aidant les managers à combler leurs lacunes quand ils sont promus à des postes de direction. En effet, de nos jours, ce sont souvent les meilleurs salariés qui deviennent managers alors qu’ils n’ont suivi aucune formation à ce sujet et qu’ils n’ont pas encore les compétences nécessaires pour diriger une équipe. Cependant, si davantage d’établissements éducatifs investissaient dans l’enseignement de ces compétences, les entreprises disposeraient d’un pool plus important de candidats aptes à diriger des résumé, nous pensons que le marché appelle clairement un changement de paradigme. De plus en plus d’individus investissent dans les études supérieures alors que leur but principal est avant tout pragmatique se rendre plus attractif en tant que candidat à un emploi et contribuer à l’économie. Même si les diplômes du supérieur continuent de bénéficier à leurs détenteurs, les entreprises peuvent aider à faire évoluer la situation en leur donnant moins de poids comme indicateur de compétence intellectuelle et d’employabilité et en adoptant des critères d’embauche plus diversifiés. Je suis déjà abonné, je me connecte Abonnement intégral 14,50 € / mois Offre sans êtes libre de résilier à tout moment 6 Magazines, versions papier et numérique par an 4 Hors-séries, versions papier et numérique par an Accès illimité au site Havard Business Review France Tomas Chamorro-Premuzic Chief Talent Scientist chez ManpowerGroup, professeur de psychologie du travail et des organisations à l’University College de Londres et à l’université de Columbia et membre associé de l’Entrepreneurial Finance Lab d’Harvard. Il est l’auteur de Why Do So Many Incompetent Men Become Leaders ? And How to Fix It » Harvard […] Voir toutes les chroniques Becky Frankiewicz Présidente de ManPowerGroup North America et experte en marché du travail. Avant cela, elle a dirigé Quaker Foods North America, l’une des plus grosses filiales de PepsiCo, et a fait partie de la liste des dix individus les plus créatifs de ce secteur industriel dressée par Fast Company. Vous pouvez […] Voir toutes les chroniques Sur le même sujet

jevais t aider a ouvrir ton esprit pose toi la question de savoir si tout doit servir a quelque chose. l art a t il besoin de servir a quelque trouve des elements de reponse dans le fait que non .et son apogee etant dans le musee imaginaire de Malraux Marmeladealorangesanguine . 2007-05-30 02:08:28 UTC. A t'émouvoir Boss . 2007-05-30 ^{Accueil> Risque et Réglementations > Le monopole bancaire sert-il (encore) à quelque chose ? Point de vue Le monopole bancaire sert-il (encore) à quelque chose ? À l'heure où le monopole bancaire « à la française » se trouve de plus en plus bousculé, la question de sa raison d'être, voire de son utilité, mérite d'être posée. L'auteur • Hubert de Vauplane • Avocat associé} SoxiIvi.

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